Kubistische Kunst für Dummies: Ein Leitfaden für Anfänger

Flasche Vieux Marc, Glas, Gitarre und Zeitung von Pablo Picasso, 1913, über Tate, London

Kubistische Kunst entstand innerhalb des ersten Jahrzehnts des zwanzigsten Jahrhunderts, Pionierarbeit leistete Pablo Picasso und Georges Braque. Es begann als experimentelle Kunstform, die hinterfragte, wie wir Objekte wahrnehmen und wie wir sie verstehen. Die Kubismus-Bewegung, wie viele andere Bewegungen dieser Epoche in der Geschichte, kehrte sich von den traditionellen Ideen der Malerei ab, die seit der Renaissance eingeflößt worden waren.

Kubistische Kunst definieren

Flasche und Fische von Georges Braque , 1910-12, über Tate, London

Kubistische Kunst kann als spielerische Konversation mit Kunst angesehen werden, sowohl in ihrer Position in der Gesellschaft als auch in ihren Methoden zur Darstellung der Realität. In diesem Gespräch fordert der Kubismus den Betrachter auf, nachzudenken und nicht nur auf die Sinnlichkeit von Farbe und Linie zu reagieren, die wir beispielsweise in einem impressionistischen Gemälde finden könnten. Tatsächlich ist der verwirrte Betrachter beim ersten Betrachten eines Braque oder eines Picasso während ihrer kubistischen Jahre von ihren monochromatischen, ungeordneten Kompositionen beeindruckt.

Obwohl die Kubismus-Bewegung relativ kurzlebig war, würde sie eine integrale Rolle in der Geschichte von spielen modernistische Kunst . Die kubistische Kunst beeinflusste viele andere Kunstbewegungen, wie z Der Style und Expressionismus , auf der Suche nach Repräsentation durch Abstraktion. Um die kubistische Kunst zu verstehen und die Frage „Was ist Kubismus?“ zu beantworten, müssen wir uns mit der Kunstgeschichte und dem modernistischen Anliegen befassen, eine Kunstform zu finden, die die Moderne genau widerspiegelt.

Die Entstehung der Kubismusbewegung

Hügel in der Provence von Paul Cézanne , 1890-92, über die National Gallery, London

Seit der Renaissance,Die westeuropäische Malerei war damit beschäftigt, wie man ein rationales, dreidimensionales Bild auf einer flachen, zweidimensionalen Oberfläche erzeugt; gegenüber Naturalismus und weg von Abstraktion . Natürlich gab es dafür eine Vielzahl von Methoden und Debatten darüber, welches Thema dargestellt werden sollte, aber die Tatsache blieb, dass Künstler für den Betrachter eine Illusion von Raum schaffen mussten. Diese Raumillusion bildete den Standpunkt, von dem aus ein Betrachter das Gemälde verstehen konnte.

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Der Naturalismus beherrschte die Malerei bis zum Ende des 19. Jahrhunderts, als die Künstler begannen, die Künstlichkeit der Malerei in Frage zu stellen. Maler wie z Edouard Manet hatte begonnen, in einem Stil zu malen, den wir heute als eine frühe Form der impressionistischen Malerei ansehen; Vincent van Gogh verwandelte das, was er sah, so, wie es ihn emotional beeinflusste. Diese Künstler experimentierten und versuchten zu verstehen, wie wir die Welt wahrnehmen: durch den Eindruck einer Szene oder wie wir uns über eine Szene fühlen? Eine weitere Frage würde von gestellt werden Paul Cézanne : Wie malen wir ein Objekt, wenn es sich ständig verändert, wenn wir uns um es herum bewegen? Objekte kommen nicht aus einer Perspektive auf uns zu, sondern aus vielen.

Stillleben mit Ingwerglas und Auberginen von Paul Cézanne, 1893-94, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Es war Paul Cézanne, der dieses Projekt startete, um zu verstehen, wie man Objekte aus mehreren Perspektiven rendert. Der Naturalismus war also künstlich und lebensfremd; es hat Objekte zu einem bestimmten Zeitpunkt aus einem Blickwinkel gerendert. Die Kubismus-Bewegung suchte nach einer neuen visuellen Sprache, die die Realität genau ausdrückt.

Die Gründungsjahre

Viadukt bei L'Estaque von Georges Braque , 1908, über Smarthistory; mit Horta d’Ebre von Pablo Picasso , 1909, über MoMA, New York

Picassos Die Damen von Avignon (1906) ist nicht nur eines der einflussreichsten Kunstwerke des zwanzigsten Jahrhunderts, sondern auch der Beginn der kubistischen Bewegung. Es ist abrupt, schrill, aus Scherben zusammengesetzt, und es gibt keinen Raum, in den der Betrachter hineinsehen kann. Die Figuren sind deformiert und abstrahiert und erinnern uns an die flache Oberfläche, auf der das Gemälde entsteht. Es waren jedoch Georges Braque und seine Hommage-Gemälde an Cézanne, die die zentralen Ideen der frühen, auch als analytische Kunst bezeichneten, kubistischen Kunst formulierten.

Braques Gemälde der Gegend von L’Estaque aus dem Jahr 1908 zeigten auf chaotische Weise Häuser und Bäume, die auf ihre nackten Formen – die Formen, die das Objekt ausmachen – entblößt waren. Der Raum ist verdichtet und die Lichtquelle fragwürdig. Braque wollte mit dem Illusionismus der Malerei aufräumen und den Betrachter mit dem konfrontieren, was ein Gemälde ist; eine zweidimensionale Leinwand aus Zeichen. Als sie Picasso trafen, machten sie sich daran, mit dieser Idee durch das Genre des Stilllebens zu experimentieren.

Die Damen von Avignon von Pablo Picasso , 1906, über MoMA, New York

Sie wollten den Illusionismus der Malerei hinterfragen und wie ein Künstler darstellen kann, was er sieht – denn das ist die grundlegende Frage für einen Künstler – ohne einen Moment in der Zeit anzuhalten. Was das Stillleben bot, war eine Möglichkeit, mit der Dekonstruktion von Objekten zu experimentieren, den Raum einzuengen und mehrere Blickwinkel zu zeigen. Die analytische kubistische Kunst würde eher eine Kunst der Konzeption als der Wahrnehmung werden. Es war eine intellektuelle Idee darüber, wie wir dazu kommen, die Objekte um uns herum zu verstehen.

Was wir also im analytischen Kubismus vorfinden, ist eine chaotische Leinwand von Formen, die Objekte bezeichnen. Der Titel des Gemäldes gibt einen Hinweis darauf, wonach wir suchen sollten. Zum Beispiel bei Braque’s Mandora , können wir das Schallloch und die Saiten der Mandora deutlich sehen, aber die Saiten verschieben sich ständig, als würden wir uns bewegen, während wir sie betrachten. Die Leinwand besteht aus vielen Oberflächen, willkürlich schattiert, um dem Betrachter keinen Einblick zu geben, wo sich die Lichtquelle befindet; Die Formen im Gemälde werden eliminiert, wodurch der Effekt eines sich durch die Zeit bewegenden Blicks entsteht. Dieses Gemälde spielt mit der Illusion der Malerei und untergräbt diese Illusion.

Mandora von Georges Braque, 1909, über Tate, London; mit Flaschen und Gläsern von Pablo Picasso, 1912, über das Guggenheim Museum, New York

Die späteren Jahre

Flasche Rum und Zeitung von Juan Gris , 1914, über das Guggenheim Museum, New York; mit Obstschale, Violine und Flasche von Pablo Picasso , 1914, über Tate, London

Die Kubismus-Bewegung würde 1912 transformiert werden, wenn George Braque beschloss, ein Stück Öltuch auf sein Gemälde zu kleben. Dies war der Beginn des synthetischen Kubismus. Die synthetische kubistische Kunst eröffnete Picasso und Braque eine weitere Dimension im Spiel mit dem Kunstbegriff. Die späte Periode der analytischen kubistischen Kunst hatte die Verwendung von schablonierten Buchstaben auf der Leinwand integriert, um den Betrachter an ihre Flachheit zu erinnern, aber jetzt die Verwendung von geklebtes Papier bot eine unpassende Spannung auf der Leinwand, die den Bereich der bildenden Kunst störte.

Braques Verwendung des Wachstuchs in seiner Komposition signalisierte den Zusammenbruch der „schönen Kunst“. Das Wachstuch wurde maschinell hergestellt und in Massenproduktion hergestellt und erforderte daher keine künstlerischen Fähigkeiten. Tatsächlich sagte Braque implizit, dass die bildende Kunst der Vergangenheit angehöre; ein wirklich modernes Statement. Die Fähigkeit, natürlich zu malen, war erloschen, jetzt, wo man ein billiges Stück Stoff aufkleben konnte, das echt aussah; In Braques Fall war es ein Wachstuch, das wie Holzmaserung aussah.

Die Verwendung von Collagen in der synthetischen kubistischen Kunst war bemerkenswert in der Art und Weise, wie sie Spannung auf der Leinwand erzeugte. Indem ein reales Objekt neben skizzierten Formen auf der Leinwand platziert wurde, spielte es mit dem Begriff von Illusionismus und Realität. Diese Zweideutigkeit lenkte die Aufmerksamkeit auf die Falschheit der traditionellen Malerei und wies auf die erkenntnistheoretisch Unterschied zwischen Kunst und Repräsentation. Durch die Verwendung einer „niedrigen“ Kunstform, der Collage, forderten Braque und Picasso die bildende Kunst in ihrer Fähigkeit heraus, die Realität darzustellen.

Der kubistische Salon

Landschaft von Albert Gleizes , 1912, über das Guggenheim Museum, New York

Obwohl Braque und Picasso als Pioniere der Kubismusbewegung angesehen werden, waren sie aus der Öffentlichkeit heraus und schufen Stücke für private Schirmherrschaft. Andere Künstler wie Jean Metzinger, Fernand Leger und Robert Delaunay pflegten jedoch einen Stil in kubistischer Manier. Diese Künstler waren Mitglieder einer Gruppe namens Abschnitt D’Or und waren die führenden Maler, um die Öffentlichkeit auf die kubistische Kunst aufmerksam zu machen.

Diese kubistischen Künstler unterschieden sich in mehrfacher Hinsicht von Braque und Picasso. Sie malten größere Leinwände mit größeren Themen als Thema; Stadtlandschaften, Porträts und spirituelle Affekte waren alles Themen für die Salonkubisten. Wir können in ihrem Werk eine Beschäftigung mit der Moderne und die Schaffung einer neuen Kunstform für ihre Zeit erkennen. Sie waren auch viel philosophischer veranlagt und nahmen Ideen von dem einflussreichen und zeitgenössischen Philosophen Henri Bergson mit seiner Idee von Duree; Alles Leben existiert in einer Einheit von Erinnerung und Vision.

Der Rote Eiffelturm von Robert Delaunay, 1911-12; mit Die Stadt von Robert Delaunay , 1911, über das Guggenheim Museum, New York

Diese Gruppe bot vielleicht eine logischere Herangehensweise an die kubistische Kunst, während Braque und Picasso sich darauf konzentrierten, mit der Kunst und ihrer Tradition zu spielen und gleichzeitig stilistische Innovationen zu schaffen. Den Malern von Section D’or ging es darum, wie ein Individuum die Realität in der Erfahrung der Moderne sieht, und es ging ihnen darum, die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit auf diese Erfahrung zu lenken.

Kubistische Kunst und das zwanzigste Jahrhundert

Der Kunstkritiker von Raoul Hausmann , 1919-20; mit Z 105 Portale oder Häuser von Kurt Schwitters , 1918, über Tate, London

Braques und Picassos Demonstration der kubistischen Kunst würde die modernistische Kunst nachhaltig beeinflussen. Ihre Erforschung des formalen Ausdrucks führte sie dazu, kulturelle Annahmen über Kunst und Realität in Frage zu stellen, eine Technik, die von ihnen aufgegriffen wurde Dadaismus und Surrealismus . Sie untersuchten den kulturellen Unterschied zwischen „hoher“ und „niedriger“ Kunst und schufen eine Synthese, die Türen zu neuen kreativen Erkundungen öffnen würde.

Nach dem Ersten Weltkrieg wurde eine Rückkehr zur Ordnung in der Malerei gefordert; das Chaos und die Zerstörung so vieler Leben veranlassten eine Überarbeitung der Kunst; es zur Untersuchung der Kultur zu verwenden, nicht zur Untersuchung der Realität – obwohl dies insgesamt nicht erfolgreich sein würde, um die Katastrophe der Jahre vor dem Zweiten Weltkrieg zu stoppen.

Gernika von Pablo Picasso , 1937, via Reina Sofia National Art Center Museum, Madrid

Dies bedeutete keinen Anerkennungsverlust für das kubistische Experimentieren. Bis zum Ende des Ersten Weltkriegs hatte sich die kubistische Kunst als neue Bildsprache der Moderne etabliert und wurde selbst zur bildenden Kunst. Die chaotischen Leinwände waren nun eine anwendbare Ausdrucksmethode. Als die Nazis 1937 die Stadt Guernica bombardierten, veranlasste der Horror Picasso, seine eigene Darstellung der Ereignisse zu malen, um das Bewusstsein für die Zerstörung zu schärfen. Er verwendete natürlich auch die kubistische Methode, um diese Realität auszudrücken; denn was war Zerstörung anderes als das Zerkleinern von Menschen, Gebäuden und der Landschaft in verstreute Scherben?