Groteske Sinnlichkeit in Egon Schieles Menschenbild

Egon Schiele (1890-1918) ist bekannt für seine viszeralen Gemälde und Zeichnungen, von denen viele männliche und weibliche Akte ineinander verschlungen und in offenkundig sexuellen Stellungen zeigen. Seine Alchemie von explizit und grotesk wird mit einer verzerrten Schönheit dargestellt, die kaum artikuliert werden kann. Seine Verwendung einer gräulichen, leichenähnlichen Palette, um konfrontative Momente von Sexualität, Sinnlichkeit und Selbstbewusstsein darzustellen, macht seine Darstellungen des menschlichen Körpers zu den anregendsten in der Geschichte der westlichen modernen Kunst. Schiele verdreht die Anatomie seiner Figuren, um eine zu enthüllen Hässlichkeit . In Schieles Werk ist die menschliche Gestalt roh, abstoßend und voller faszinierender Widersprüche.

Egon Schieles Destabilisierung konventioneller Sinnlichkeit in der Kunst

Fotografie von Egon Schiele an seinem Schreibtisch

Obwohl er kaum 30 Jahre lebte, Egon Schiele wurde zu einem äußerst einflussreichen modernen Künstler. In einer Zeit, in der viele Künstler die Schönheit der menschlichen Form und der Natur durch Kunst bewahren wollten, schreckte der österreichische Künstler nicht davor zurück, seine Figuren in faszinierenden Positionen darzustellen. Es gibt Kontroversen darüber, ob seine Darstellungen seine Motive stärken oder den Fantasien des Künstlers dienen, aber ein Wort scheint in der Literatur, die seine Arbeit beschreibt, allgegenwärtig zu sein, das Wort grotesk . Grotesk, was gemeinhin definiert wird als, seltsam und unangenehm, besonders auf eine alberne oder leicht beängstigende Weise , kann auch bedeuten deutlich vom Natürlichen, Erwarteten oder Typischen abweichen.

Wir setzen diesen Begriff oft mit den Worten gleich grob oder unappetitlich , aber das Wort kann sich auch auf etwas beziehen, das bestimmten sozialen oder ästhetischen Erwartungen nicht entspricht. Schiele war der Meister darin, den menschlichen Körper gerade genug zu verändern, um vorgefasste Vorstellungen darüber, wie ein nackter Körper aussehen sollte, zu destabilisieren, insbesondere für das Publikum seiner Zeit. Doch bei näherer Betrachtung lässt sich die komplexe Schönheit seiner Arbeit nicht leugnen, die Experten und Kunstliebhaber gleichermaßen anzieht und verwirrt.

Frühe Exposition gegenüber dem trüben menschlichen Zustand

Paarumarmung von Egon Schiele, 1915 über ArtMajeur

Schiele wurde 1890 als Sohn eines deutschen Vaters und einer deutsch-tschechischen Mutter in Österreich geboren. Sein Vater litt angeblich unter schweren psychischen Problemen. Er besuchte auch örtliche Bordelle. Er starb schließlich an Syphilis, als Schiele 15 Jahre alt war, was einige Quellen auf die frühe Faszination des Künstlers für die menschliche Sexualität zurückführen. Ein Jahr nach dem Tod seines Vaters trat Schiele in die Akademie der Bildenden Künste in Wien ein. Nach drei Jahren verließ er die Schule unzufrieden, weil er den Lehrplan für starr und konservativ hielt.

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Zusammen mit einigen anderen Klassenkameraden begann er die Neuekunstgruppe (New Art Group), durch die er einen Kritiker namens Arthur Roessler kennenlernte. Roessler machte den Künstler mit prominenten Mitgliedern der Wiener Kulturszene bekannt. Zu dieser Zeit war die Wiener Intelligenz von Ideen im Zusammenhang mit Sex und Tod besessen. Dies war das Wien von Sigmund Freud und den Künstlern der Wiener Sezession wie Gustav Klimt . Klimt wurde später Schieles Mentor und lieferte ihm seine ersten Modelle. So entwickelte sich Schieles künstlerische Praxis in einem Umfeld voller frenetischer Energie, die sich darauf konzentrierte, die komplexen Tiefen der menschlichen Psyche zu verstehen.

Visuelle Elemente, die das sinnliche Groteske erzeugen

Weiblicher Akt von hinten gesehen von Egon Schiele, 1915 via Koones

Farbe und Licht waren mächtige Werkzeuge in Schieles Arsenal. Er setzte Farben sparsam ein, um Aspekte des Körpers hervorzuheben, die von seinen Vorgängern und vielen seiner Zeitgenossen als Tabu angesehen wurden. In einigen Werken verwendet er leuchtende Farben auf den bemalten Haaren oder der spärlichen Kleidung seiner Figuren und stellt Haut in gedämpften Farben dar, meistens beige mit einem Hauch von Hellblau und Rot. In einigen Arbeiten verwendet er hellere Farben, wo Haut auf Knochen trifft, um die spitze Dünnheit des Körpers hervorzuheben. Dies zeigt sich in Arbeiten wie Weiblicher Akt von hinten gesehen (1915), wo Schiele jedes Gelenk in der Wirbelsäule der Frau mit einem Pinsel in tiefem Rot hervorhebt.

Die Verwendung und Manipulation von Licht war ein weiteres visuelles Werkzeug, das sich für Schieles Vision des menschlichen Körpers eignete. Auf materieller Ebene verlieh das von ihm verwendete Papier, rau und oft absichtlich verblasst, seiner Arbeit eine blasse, gealterte Qualität, die sie unter direktem Licht brüchig machte. Der Künstler war auch dafür bekannt, Figuren zu skizzieren und ihnen eine Art ätherische Aura zu verleihen. Doch von diesen beleuchteten Körpern kommt psychologische Dunkelheit durch die Verwendung von harten Blickwinkeln und abstoßenden Farben. Das ist nur einer von vielen Widersprüchen in Schieles Werk: die Dunkelheit des Menschlichen Psyche in einem spannungsgeladenen Tauziehen um die Erscheinung und den Einsatz von Licht.

Die Anatomie eines revolutionären Stils

Selbstporträt von Egon Schiele, 1910 über Wikimedia Commons

Es braucht kein geschultes Auge, um die Komplexitäten in Schieles Kunst zu erkennen, von denen viele als Widerspiegelung seiner Position innerhalb der Wiener künstlerischen und intellektuellen Gesellschaft angesehen werden können. Sinnlichkeit und Groteske existieren in fast allen seinen Darstellungen der menschlichen Form im selben Körper. Paare, die sich in sinnlicher, zärtlicher Umarmung befinden, werden mit dünnen, fast abgemagerten Gesichtszügen dargestellt. Übertriebene Gesichtsausdrücke verwandeln die einfachste Körperhaltung in eine komplexe Lektüre der inneren Welt des Subjekts. Frauen in ihrer Jugend erscheinen blass und verzerrt, fast skelettartig.

Geschlecht und Sexualität sind ebenfalls fließend, wobei viele Experten Androgynität in seinen Darstellungen von Männern und Frauen identifizieren. Mit Ausnahme von Werken wie Selbstbildnis mit stehender Pfauenweste (1911) schweben Schieles Motive typischerweise in einer Leere, ohne Hintergrund, der Tiefe über die Ränder der Figur hinaus andeuten könnte. In all diesen ästhetischen Elementen gibt es eine Verwischung und Destabilisierung mehrerer moralischer und ästhetischer Kategorien.

Es sollte beachtet werden, dass diese Elemente nicht auf Schieles Darstellungen anderer beschränkt sind. In den meisten seiner Arbeiten hat er richtet den Blick nach innen auf sich selbst . Seine Selbstporträts sind ebenso verstörend und grotesk, wenn nicht sogar noch verstörender als seine Darstellungen anderer. Die Frage bleibt also: Warum die menschliche Form, einschließlich seiner eigenen, in einem so rohen Format darstellen?

Liegende Frau mit grünen Strümpfen (auch bekannt als Adele Harms) von Egon Schiele, 1917 über Cultura Colectiva

Schiele widersprach nicht nur den damals anerkannten künstlerischen Standards, sondern zwang die Betrachter auch, die Koexistenz mehrerer dieser breiten Kategorien zu akzeptieren. Tod und Sex, Gut und Böse, Licht und Dunkel, Verfall und Leben, Gewalt und Zärtlichkeit, Liebe und Misstrauen gehen in jedem Stück, das er produziert hat, gegeneinander. Diese Spannung erzeugt eine erhabene Schönheit, die fast zu überwältigend und für manche beschämend ist, um sie zu akzeptieren. Schiele hielt seiner Gemeinschaft den Spiegel vor und zwang sie, kühne Widersprüche zu sehen, die in einer sich windenden Masse menschlicher Fehler und roher Sinnlichkeit miteinander verflochten sind. Das Ergebnis ist belebend und regt zum Nachdenken an, auch wenn die Arbeit für bare Münze zunächst schwer zu fassen ist. Das ist groteske Sinnlichkeit in seiner schönsten Form.

Ermächtigende erotische Darstellungen oder eigennützige Erkundungen der Sexualität?

Mann und Frau (Umarmung) by Egon Schiele, 1917, via Wikimedia

Unter denjenigen, die sich für Schieles Werk interessieren, gibt es eine anhaltende Diskussion über die Bedeutung von Schieles Darstellungen von Aktfiguren, insbesondere von Frauenakten. Diese Diskussion geht Hand in Hand mit einer Diskussion über wie er hat diese Gestalten dargestellt. Auf der einen Seite gibt es ein Argument, dass diese verstörenden, aber erotischen Kunstwerke die von ihm dargestellten Motive stärken. Er war einer der wenigen Künstler seiner Zeit, der Frauen in hocherotischen Stellungen zeigte und damit Frauen wieder einen Raum zurückeroberte, um ihre Sexualität auszudrücken.

Andererseits gibt es Behauptungen, dass diese Darstellungen für die eigene sexuelle Erfüllung des Künstlers gemacht wurden. Diese Argumente schaffen eine Grauzone, wenn es um Schieles Erbe geht. Während einige ihn als den Verfechter der offenen Sexualität und des Überwindens von Barrieren betrachten, sehen andere ihn als Kapitalgeber seiner Zugänglichkeit zu lebenden Modellen, um erotische Kunstwerke zu produzieren, die seine eigenen Fantasien befriedigen. Eine Antwort könnte sein, dass er aus beiden Gründen motiviert war, und das macht das Verstehen und Studieren seiner Arbeit ebenso beunruhigend wie das Betrachten.

Egon Schieles Vermächtnis

Fotografie von Egon Schiele, 1914 über Artspace

Das Ende von Schieles Leben war unbestreitbar tragisch. Er verlor seine Frau Edith und sein ungeborenes Kind 1918 durch die Spanische Grippe, nur drei Tage bevor er sich dieselbe tödliche Krankheit zuzog. Trotz der Pandemie , zeichnete und malte Schiele bis an sein Lebensende. Obwohl er nur 28 Jahre alt wurde, ist sein Einfluss auf die westliche Kunstgeschichte zeitlos. Schiele war einer der einflussreichsten Künstler der Wiener Moderne und trug dazu bei, den Grundstein für weitere spätere moderne Kunstbewegungen zu legen.

Noch wichtiger ist, dass Schiele die Art und Weise veränderte, wie das Publikum die Konzepte von Sex, Liebe, Schönheit, Tod und Selbstbewusstsein visuell verstand. Vielleicht wäre es angemessener, Schiele überhaupt nicht als Künstler der Moderne zu bezeichnen. Vielleicht sollten wir uns eine Notiz von Schiele selbst machen, der einmal sagte: Ich glaube nicht, dass es so etwas wie moderne Kunst gibt. Es ist nur Kunst und es ist ewig . Schieles Vermächtnis beweist das gewiss ewig Kunst kann entstehen, wenn sie bestimmte Teile der menschlichen Psyche berührt, insbesondere jene Teile des Geistes, die viele zuvor nicht zu besuchen gewagt haben.