Fairfield Porter: Ein Realist im Zeitalter der Abstraktion

Wäscheleine von Fairfield Porter, 1958; mit Mädchen und Geranie von Fairfield Porter, 1963

Fairfield-Träger war ein Maler und Kunstkritiker, der damals in New York arbeitete Abstrakter Expressionismus entstanden und machten die Stadt zum neuen Zentrum der Kunstwelt. Trotzdem arbeitete Porter selbst auf unkonventionelle traditionelle Weise. Er war ein realistischer Maler, der aus Beobachtung arbeitete und häusliche Szenen malte. Obwohl Porter sozial mit den Abstrakten Expressionisten verbunden war, waren er und sie in Bezug auf die malerische Produktion massiv gespalten.

Abstrakter Expressionismus: Fairfield Porter und seine Zeitgenossen

Mädchen und Geranie von Fairfield Porter , 1963, über Sotheby’s

Die Gemälde von Fairfield Porter standen im Widerspruch zu Zeit und Ort, an dem er arbeitete.

Im Gegensatz zu vielen Zeitgenossen Porters, die den radikal neuen Stil des Abstrakten Expressionismus verfolgten, hielt Porter hartnäckig an einer als überholt geltenden Malweise fest.

Fairfield Porters Gemälde waren nicht nur gegenständlich, sondern tendierten auch zum Realismus und entstanden aus Beobachtung. Sicher malten andere Künstler in New York zu dieser Zeit in gewissem Sinne gegenständlich; Willem de Kooning bestand zum Beispiel darauf, dass seine gesamte Malerei figurativ sei. Ebenso viele Franz Kline Gemälde basieren auf einfachen, geometrischen Formen, wie Stühlen oder Brücken. Diese Künstler galten jedoch nicht ohne Grund als Abstrakte Expressionisten; Bei ihrer Arbeit ging es eher darum, die Figur zu transformieren, sie in eine kaum erkennbare Form zu ziehen und zu dehnen. De Kooning fasste seine Philosophie der Figuration im Kontext des Abstrakten Expressionismus zusammen und sagte einmal: Die Figur ist nichts, wenn man sie nicht wie ein seltsames Wunder dreht. Diese Gemälde hatten wenig mit Porters eher traditionellem Fokus auf die Entwicklung eines glaubwürdigen Raums und der Wahrhaftigkeit des Themas zu tun.

Blumen am Meer [Detail] von Fairfield Porter , 1965, über MoMA, New York

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Selbst unter den Nachkriegsmalern in Europa, die viel mehr zu erkennbarer Figuration und Repräsentation neigten als die New York School, ist es schwierig, etwas Ähnliches wie Fairfield Porter zu finden. Frank Auerbach , Franz Speck , Leon Kosoff , Lukian Freud , und Alberto Giacometti alle malten gegenständlich und interessierten sich bis zu einem gewissen Grad für die Illusion von Raum oder malten sogar realistisch aus der Beobachtung im Fall von jemandem wie Euan Uglow . Für viele dieser Maler waren die Darstellungen jedoch im Grunde nur eine formale Konvention, die dem Künstler diente, sich ganz einem anderen Thema zu nähern. Bei Bacon die Reflexion über den Prozess des Malens als eine Art Alchemie – bei Auerbach oder Kossoff die materielle Realität ihres Mediums im Gegensatz zu den Darstellungen – bei Uglow die Komplexität und Eigenart des Sehens und der Perspektive.

Fairfield Porter erklärte das Ziel seiner Malerei ganz klar: Wenn ich male, denke ich, dass es mich befriedigen würde, auszudrücken, was Bonnard sagte, Renoir sagte ihm: alles schöner machen. Dies bedeutet teilweise, dass ein Gemälde ein Geheimnis enthalten sollte, aber nicht um des Geheimnisses willen: ein Geheimnis, das für die Realität wesentlich ist. Verglichen mit den Ambitionen anderer Maler aus der Mitte des Jahrhunderts ist Porters Streben eher bescheiden, und das ist die Stärke seiner Arbeit.

Schlichte Schönheit

Schwenk von Fairfield Porter , 1959, über MoMA, New York

Fairfield Porter ist eines der reinsten Beispiele eines Malers. Das eigentliche Interesse an seiner Malerei liegt darin, wie er sich mit den sehr grundlegenden Fragen der Repräsentation in der Malerei auseinandersetzt, der Reaktion einer Farbe gegen eine andere. Es gibt keinen Bombast in seiner Arbeit, im Gegensatz zu dem, was man in so vielen anderen Nachkriegsmalereien findet, die oft von einem unkontrollierten emotionalen Charakter geprägt sind. Porter definiert sich vielmehr durch den völlig dezenten Ton seiner Malerei. Die Werke tragen keinen Anspruch oder Größenwahn. Sie sind sachlich im Umgang mit den Realitäten der Welt vor den Künstlern und deren Übersetzung in bunten Schlamm auf einem Stück Stoff.

Die Bilder von Fairfield Porter leben im Stadium der Entwicklung; Sie sind aufkeimende Untersuchungen des Themas, jederzeit bereit, sich zu ändern, mit unerschütterlicher Bereitschaft zu sehen, was wirklich vorhanden ist. Es ist reine Problemlösung. Sein Werk zeugt von bewundernswerter Zuversicht, Farben einfach zu mischen und nebeneinander zu stellen und darauf zu vertrauen, dass es funktioniert: dass das Grundproblem der gegenständlichen Malerei auch dann noch funktioniert, wenn es zugunsten von aufgegeben wird Abstraktion .

Malen Über Malen

Wäscheleine von Fairfield Porter , 1958, über The Met Museum, New York

Natürlich drehte sich viel Kunst in dieser Zeit in gewissem Sinne um ihr Medium. Diese Eigenschaft galt tatsächlich als charakteristisch für die Avantgarde. Das allein ist es nicht, was Fairfield Porter auszeichnet. Der Unterschied zu Porter besteht darin, was es in der Praxis bedeutet, dass seine Bilder „um ihr Medium handeln“, im Gegensatz zu dem, was es für seine Zeitgenossen bedeutet: die Abstrakten Expressionisten.

Für die Abstrakten Expressionisten wurde das Malen über Malerei erreicht, indem sie Markierungen machten, die sich auf nichts als sich selbst zu beziehen schienen; die Farbe war kein Ersatz für irgendetwas, sie war nur Farbe. Indem man auf diese Weise spezifische Repräsentation zerstörte, dachte man, dass eine höhere, universellere visuelle Sprache geschaffen werden könnte, etwas, das jenseits des Politischen und Sozialen lag und einfach war.

Im Fall von Porter verschwinden solche hochtrabenden Vorstellungen jedoch. Seine Malerei handelt von Malerei in dem Sinne, dass es um die einfache und alltägliche Handlung des Malens geht. Die Abstrakten Expressionisten waren mit den Grenzen der gegenständlichen Malerei unzufrieden und lösten sich, soweit möglich, davon. Umgekehrt verdoppelte Fairfield Porter sein Engagement für die gegenständliche Malerei, bis der primäre Inhalt seiner Arbeit zur grundlegenden Handlung der gegenständlichen Malerei wurde: Raumbildung mit Farbbeziehungen.

Avantgarde und Kitsch – Abstraktion und Repräsentation

Ausgrabung von Willem de Kooning , 1950, über das Art Institute of Chicago

Obwohl Fairfield Porters Bilder recht bequem, nicht konfrontativ und sein Thema ohne explizite Politik erscheinen, war das bloße Malen in der Art und Weise, wie er es Mitte des 20. Jahrhunderts in Amerika tat, so etwas wie ein politisches Statement.

Clemens Greenberg war mit ziemlicher Sicherheit der wichtigste Kunstkritiker des 20. Jahrhunderts. Er war ein früher Befürworter des Abstrakten Expressionismus und der verwandten Bewegungen der Farbfeldmalerei und der Hard-Edge-Abstraktion. In einer von Greenbergs bekanntesten Schriften, einem Essay mit dem Titel Avantgarde und Kitsch , er beschreibt die zunehmende Trennung zwischen diesen beiden Kunstformen . Darüber hinaus erläutert er die schwierige kulturelle Stellung der gegenständlichen Malerei wie der von Fairfield Porter in der Nachkriegszeit.

Die Avantgarde ist nach Greenbergs Einschätzung das Ergebnis eines Zusammenbruchs der Kommunikationswege zwischen Künstlern und ihrem Publikum. Entstanden war sie im 19. und 20. Jahrhundert aufgrund großflächiger sozialer und politischer Umwälzungen, die den Kunstkonsum neu ordneten und neue gesellschaftliche Grundlagen schufen. Künstler konnten sich nicht mehr auf eine klare Kommunikation mit einem bekannten Publikum verlassen. Als Reaktion darauf entwickelte sich die Avantgarde zu einer zunehmend abgeschotteten Kultur, und Avantgarde-Künstler begannen, Werke zu schaffen, bei denen es mehr um die Untersuchung des Mediums ging, in dem sie arbeiteten, als um den Versuch, soziale oder politische Werte widerzuspiegeln. Daher die Tendenz zur Abstraktion.

Stilleben mit Auflauf von Fairfield Porter , 1955, über das Smithsonian American Art Museum, Washington D.C.

Umgekehrt besteht Kitsch, erklärt Greenberg, aus hochkommodifizierten Kulturprodukten, die gemacht wurden, um die neuen Themen der Industrialisierung und Urbanisierung zu besänftigen:

Vor dieser [Urbanisierung und Industrialisierung] war der einzige Markt für formelle Kultur im Unterschied zur Volkskultur derjenige, der nicht nur lesen und schreiben konnte, sondern auch über die Muße und den Komfort verfügte, die immer damit einhergehen Anbau irgendeiner Art. Dies war bis dahin untrennbar mit Alphabetisierung verbunden. Aber mit der Einführung der universellen Alphabetisierung wurde die Fähigkeit zu lesen und zu schreiben fast zu einer untergeordneten Fähigkeit wie das Autofahren, und sie diente nicht mehr dazu, die kulturellen Neigungen eines Individuums zu unterscheiden, da sie nicht mehr die ausschließliche Begleiterscheinung eines raffinierten Geschmacks war. (Clement Greenberg, Avantgarde und Kitsch )

Diese neuen Subjekte, das Proletariat, erforderten nun also eine formelle Kultur, aber es fehlte ihnen der gemächliche Lebensstil, der sie für schwierige, ehrgeizige Kunst liebenswürdig machen würde. Stattdessen Kitsch: eine Ersatzkultur von Werken, die zum einfachen Konsum gemacht sind, um die Massen zu besänftigen. Kitsch-Kunst tendenziell Realismus und Repräsentation, wobei diese Art von Arbeit viel leichter zu verdauen ist, weil es, wie Greenberg feststellt, keine Diskontinuität zwischen Kunst und Leben gibt, keine Notwendigkeit, eine Konvention zu akzeptieren.

Ein Maler, der fehl am Platz ist

Innenraum im Sonnenlicht von Fairfield Porter , 1965, über das Brooklyn Museum

Natürlich war Fairfield Porters eigenes Werk nicht der Kommodifizierung unterworfen, die nach Greenbergs Einschätzung für Kitsch charakteristisch ist. Dennoch rückte ihn seine Entscheidung, gegenständlich zu arbeiten, eher an den Rand der Avantgarde, die zunehmend zur Abstraktion tendierte. Diese Dichotomie von Avantgarde und Kitsch in der Mitte des 20. Jahrhunderts ging eng mit der formalen Unterscheidung zwischen Abstraktion und Repräsentation einher und ließ Porter und sein Werk in einem undefinierten Raum, weder dem einen noch dem anderen.

In Bezug auf Porters anomale Natur, den zeitgenössischen Künstler Rackstraw Downes schrieb:

In den kritischen Auseinandersetzungen seiner Zeit gehörte er zu den scharfen Köpfen, und hier wurde die Unabhängigkeit zum Thema. Es war nicht so, dass Porter Streit mochte: Er liebte Kunst und hielt es für äußerst wichtig, dass Kritiker, die zwischen Kunst und ihrem Publikum vermitteln, diese wahrheitsgemäß darstellen sollten. Hauptsächlich widersprach er einer Kritik, die, die Beweise ignorierend, die sie tatsächlich umgaben, vorgab, die Zukunft der Kunst aus ihrer unmittelbaren Vergangenheit abzuleiten; und kontrollieren Sie es so, wie Porter es ausdrückte, indem Sie „die Technik einer totalitären Partei auf dem Weg zur Macht“ imitieren. (Zackenstroh Downes, Fairfield Porter: Der Maler als Kritiker )

In diesem Klima von Greenbergs kritischem Denken und Abstrakter Expressionismus , Fairfield Porter entstand als Kontrast. Als die New Yorker Kunstwelt versuchte, sich als neue Avantgarde der Kultur zu positionieren, den Abstrakten Expressionismus hervorbrachte und ihn als neuen Höhepunkt der Moderne behauptete, war hier Porter. Er blickte hartnäckig auf Maler wie die French Intimists zurück, Vuillard und Bonnard , und ihre Lehrer, die Impressionisten . Wenn auch aus keinem anderen Grund, als den kritischen und künstlerischen Konsens zu erschüttern, dass eine solche Malerei nicht mehr möglich sei, verfolgte Porter sie: nicht nur Repräsentation, sondern Realismus, voll von der gleichen Sentimentalität der französischen Malerei der Vorkriegszeit.