Echos von Religion und Mythologie: Spur der Göttlichkeit in der modernen Musik

Musik selbst stellt für die große Mehrheit der Menschen eine Form der religiösen Praxis dar. Viele renommierte Musiker projizieren die Elemente religiöser Referenzen und Bilder zwischen die Zeilen ihrer Texte. Einige von ihnen verwenden ihre Musik als Modus, um die Götter zu beschwören oder herauszufordern. Auch in der modernen Musik lassen sich zahlreiche Künstler vom Erbe antiker Mythologie, Volksmärchen und Mystik inspirieren. Man könnte argumentieren, dass die Verbindung zwischen mythischen Tragödien und musikalischem Ausdruck leicht zu erkennen ist. Diese starke Bindung spiegelt sich oft in den Werken vieler prominenter Musiker wider. Mit ihrer musikalischen Sprache können sie etwas Unerklärliches und Göttliches darstellen.

1. Die Geschichte von Orpheus in der modernen Musik

Orpheus und Eurydike von Marcantonio Raimondi , ca. 1500–1506, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Ein griechisches Sprichwort lautet: Während Hermes die Leier erfand, perfektionierte Orpheus sie.

Der Mythos von Orpheus erzählt die Geschichte eines Musikers, der so talentiert war, dass er alle wilden Tiere bezaubern und sogar die Bäume und Felsen zum Tanzen bringen konnte. Als er seine Geliebte Eurydike heiratete, ließen die freudigen Hymnen, die er für sie spielte, die Felder unter ihnen im Rhythmus mitschwingen.

Als seine Geliebte ein tragisches Schicksal ereilte, machte er sich auf, die Unterwelt zu durchkämmen, um seine Geliebte zurückzuholen. Um diese Geschichte wurde ein Mythos geschaffen, der sich in der heutigen Zeit auch in der modernen Musik wiederfindet.

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Orpheus wurde geboren Apollo , Gott der Musik und Poesie, und die Muse Calliope. Apollo brachte ihm bei, die Leier so schön zu spielen, dass er mit der Kraft seines Instruments alle Dinge auf der Erde verzaubern konnte.

Die Tragödie beginnt mit dem Tod von Eurydike. Als Orpheus ihren leblosen Körper fand, formte er all seine Trauer zu einem Lied, das sogar die Götter über ihm zu Tränen rührte. Und so schickten sie ihn in die Reiche der Unterwelt, damit er versuchen konnte, mit Persephone zu verhandeln und Hades für Eurydikes Leben.

Orpheus und Eurydike von Agostino Carracci , ca. 1590–95, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Auf seinem Weg nach unten bezauberte er mit seiner Leier alle rücksichtslosen Bestien, die auf seinem Weg standen. Als Hades und Persephone die Größe seines Schmerzes sahen, unterbreiteten sie ihm ein Angebot. Unter einer Bedingung durfte er sie aus der Unterwelt führen. Sie musste ihm den ganzen Weg entlang folgen, und er durfte sich nicht umdrehen, um sie zu sehen. Wenn er es wagte, zurückzublicken, würde sie für immer im Nichts der Unterwelt verloren sein. Sie hatten es fast bis zum Ende geschafft, als Orpheus sich in einem Moment der Schwäche umdrehte, um Eurydike anzusehen. Sie fiel in diesem Moment und war für immer verloren, dazu verdammt, ihre Ewigkeit in der Unterwelt zu verbringen.

Viele Musiker der modernen Musik finden immer noch einen Teil von sich selbst in Orpheus und seinem Schicksal. Nick Cave ist da keine Ausnahme. Er verdreht das bekanntermaßen Griechische Tragödie in seinem Lied Die Leier des Orpheus . Das Lied kam 2004 heraus und zeigt Caves dunkle und satirische Sicht auf die Mythos . In seiner Interpretation erfindet Orpheus die Leier aus Langeweile und stolpert nur zufällig über den Einfallsreichtum.

Nick Höhle von Ashley Mackevicius , 1973 (gedruckt 1991), über die National Portrait Gallery, Canberra

Man könnte argumentieren, dass Cave über den kreativen Prozess im Allgemeinen und die damit verbundenen potenziellen Schwachstellen singt. Er thematisiert die Gefahr in der Macht charmanter Menschen mit Musik und künstlerischem Ausdruck. In dem Lied geht Orpheus mit dieser Macht zu weit und erweckt den Gott oben, der ihn dann in die Hölle bringt. Dort trifft er auf seine Geliebte Eurydike, gibt seine Musik zugunsten des Familienlebens auf und verurteilt sich selbst zu seiner persönlichen Version der Hölle.

Diese Leierlerche ist für die Vögel, sagte Orpheus,

Es reicht aus, dir Fledermäuse zu schicken.

Lass uns hier unten bleiben,

Eurydike, Liebes,

Wir werden einen Haufen schreiender Gören haben.

So ironisch und düster es klingen mag, hier zog Cave die stärkste Parallele zwischen ihm und Orpheus, der zugrunde liegt, dass jeder Musiker ein Fragment des Mythos in sich trägt.

2. Rhiannon: Eine walisische Göttin, die Stevie Nicks übernimmt

Stevie Nicks von Neal Preston , CA 1981, über Morrison Hotel Gallery, New York

Es gibt ein Manuskript aus dem 14. Jahrhundert in der Bibliothek der Universität Oxford mit dem Namen Das Rote Buch von Hergest , mit zahlreichen walisischen Gedichten und Prosastücken. Zu diesen Schriften gehört auch das Mabinogion, die älteste bekannte Sammlung walisischer Prosa, Mythen und Märchen. Eine der bemerkenswertesten und fesselndsten Figuren, die in diesem alten Text erwähnt werden, ist eine Göttin namens Rhiannon.

Als Stevie Nicks den weithin bekannten Fleetwood Mac-Hit Rhiannon schrieb, hatte sie noch nie zuvor von Mabinogion gehört. Sie lernte die Figur Rhiannon kennen, als sie den Roman mit dem Titel las Triade , geschrieben von Mary Leader. Der Roman erzählt die Geschichte einer modernen walisischen Frau, die von ihrem Alter Ego namens Rhiannon besessen ist.

Ihr Erstaunen über den Namen inspirierte Nicks, ein Lied zu schreiben, das ihre Visualisierung von Rhiannon beschreibt. Interessanterweise entsprach Stevies Version der Figur eher der Mythologie hinter der Göttin aus dem Buch Mabinogion. In dem alten Text wird Rhiannon als atemberaubende und magische Frau beschrieben, die aus ihrer unbefriedigenden Ehe in die Arme eines walisischen Prinzen davonläuft.

Fleetwood Mac von Norman Seeff , CA 1978, über Morrison Hotel Gallery, New York

Nicks Rhiannon ist gleichermaßen wild und frei, eine Verkörperung all dieser Musik, die sie persönlich bedeutet. Wichtig ist auch das Element singender Vögel, das für Stevie die Freiheit von den Schmerzen und Qualen des Lebens darstellt. Darin schreibt sie:

Sie beherrscht ihr Leben wie ein Vogel im Flug

Und wer wird ihr Liebhaber sein?

Dein ganzes Leben hast du noch nie gesehen

Vom Wind getroffene Frau

Diese Legende von Rhiannon handelt vom Gesang der Vögel, die den Schmerz nehmen und Leiden lindern. Das ist Musik für mich.- ( Stevie Nicks , 1980)

Die Vögel sind auch zwischen den Zeilen des walisischen Mythos zu finden. Die Göttin hat neben sich drei Vögel, die auf ihren Befehl die Toten wecken und die Lebenden in den Schlaf versetzen.

Nachdem er den Song geschrieben hatte, erfuhr Nicks von dem Mythos und den unheimlichen Ähnlichkeiten zwischen den beiden Versionen von Rhiannon. Bald begann sie, diese Magie in ihre Live-Auftritte des Songs zu kanalisieren. Auf der Bühne war Stevie kraftvoll, atemberaubend und rätselhaft, scheinbar belagert vom ungezähmten Geist der Göttin. Durch den Einfluss ihres musikalischen Ausdrucks gelang es Stevie Nicks, die uralte Kraft von Rhiannon in die moderne Musikwelt zu übertragen.

3. Gott und die Liebe: Der unerschrockene Cohen, der Halleluja komponiert

David gibt Uriah einen Brief für Joab von Pieter Lastmann , 1619, über die Leidener Sammlung

Auf Hebräisch spricht Halleluja davon, sich über das Lob Gottes zu freuen. Das Wort erscheint erstmals in König Davids Psalmen, die eine Reihe von 150 Kompositionen bilden. Als Musiker bekannt, stolperte er über einen Akkord, der die Macht von Halleluja tragen kann. Die Frage ist, was genau ist Hallelujah?

Cohens Halleluja hat sich als sein berühmtestes Liebeslied bewährt und wird von vielen sogar als eines der schönsten und ehrlichsten Liebeslieder in der Geschichte der modernen Musik bezeichnet. Es ist sicherlich die offensichtlichste Mischung aus Liebe und Religion in seiner Karriere. Sein musikalisches Opus ist voller religiöser Referenzen, aber kein Lied kann jemals wirklich mit dem Geist und der Botschaft in ihm mithalten Halleluja .

Im Kern des Songs bietet Cohen seine Interpretation des hebräischen Satzes an. Viele suchen ständig nach der wahren Bedeutung des Wortes und dem, was es wirklich darstellt. Hier greift Cohen ein und versucht, die Bedeutung zu erläutern, die dieser Satz für ihn hat. Aber alles fällt hart und schwer in den Texten dieser bitteren Klage. Er spricht mit seiner Geliebten und allen, die nach dem geheimen Akkord suchen. Die Auflösung liegt im Inneren, und die Bedeutung liegt irgendwo weit jenseits von Musik und Worten.

Samson von Valentin de Boulogne , um 1630, über das Cleveland Museum of Art

Er verwendet einen Verweis auf König David und Batseba, sowie Samson und Delilah. Unter den Worten vergleicht er sich mit David, indem er eine Frau verfolgt, die er nicht haben kann.

Ihr Glaube war stark, aber Sie brauchten Beweise

Du hast sie auf dem Dach baden sehen

Ihre Schönheit und das Mondlicht haben dich umgehauen

Nach dem Sehen Bathseba Baden schickte David ihren Mann in den Krieg und hoffte auf seinen Tod. Auf diese Weise würde Batseba ihm gehören.

Cohen zog auch Parallelen zwischen ihm und Samson , eine weitere biblische Figur. In dieser Metapher macht er auf die unvermeidliche Verwundbarkeit aufmerksam, die mit der Liebe einhergeht. Samson wird von Delilah verraten, der Frau, die er liebt und für die er alles geopfert hat. In seiner Liebe zu ihr erzählt er ihr von der Quelle seiner Stärke – seinen Haaren. Sie schneidet dann die Haare ab, während er schläft.

Sie hat dich gefesselt

Zu einem Küchenstuhl

Sie hat deinen Thron gebrochen und sie hat dir die Haare geschnitten

Und von deinen Lippen zog sie das Halleluja

Cohen singt, wie Delilah seinen Thron brach. Simson war kein König; Daher symbolisiert der Thron sein Selbstwertgefühl. Sie brach ihn, bis er nichts mehr hatte, und nur in diesem Moment konnte er die reinste Form von Hallelujah ergreifen.

Porträt von Leonard Cohen , über MAC Montreal Ausstellung

Beide Geschichten sprechen von Männern, die von der Liebe gebrochen wurden, und Cohen porträtiert sich direkt in diesem Konzept. Indem er diese Erzählungen des Alten Testaments adaptiert, lässt er einen kraftvollen Einblick aus einer biblischen Erzählung in die moderne Musik wieder auferstehen.

Und obwohl

Es ging alles schief

Ich werde vor dem Herrn des Liedes stehen

Mit nichts auf meiner Zunge als Halleluja

Hier verkündet er, dass er bereit ist, es noch einmal zu versuchen. Cohen weigert sich aufzugeben und hält dennoch an seinem Glauben fest, sowohl an die Liebe als auch an Gott selbst. Dabei spielt es für ihn keine Rolle, ob es sich um ein heiliges oder ein gebrochenes Halleluja handelt. Er weiß, dass er immer wieder mit beidem konfrontiert wird.

4. Das Ende einer Ära in der modernen Musik

Adam und Eva von Albrecht Dürer , 1504, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Ein alter Glaube besagt, dass Schwäne angesichts der Nähe des Todes nach einem Leben der Stille das schönste Lied singen. Daraus entstand eine Metapher des Schwanengesangs, der einen letzten Ausdrucksakt kurz vor dem Tod definiert. Im Jahr 2016, wenige Monate vor seinem Tod, sang David Bowie, ein Chamäleon der modernen Musik, mit der Veröffentlichung seines Albums seinen eindringlichen Schwanengesang Schwarzer Stern .

In einem vom experimentellen Jazz geprägten Album verbindet Bowie auf einprägsame Weise die Ängste vergangener Zeiten mit moderner Musik. Er ist sich der Nähe seines Todes sehr bewusst und akzeptiert seine Unausweichlichkeit. Er weiß, dass sein Schicksal dieses Mal nicht in seinen Händen liegt. Im Video zu Schwarzer Stern , sind ihm die Augen mit Bandagen verbunden, was auf die Tatsache anspielt, dass historisch gesehen Augenbinden von denen getragen werden, die einer Hinrichtung gegenüberstehen.

In der Villa von Ormen

In der Villa von Ormen

Steht eine einsame Kerze

Im Zentrum von allem

David Bowie von Lord Snowdon , 1978, über die National Portrait Gallery, London

Im Schwedischen steht das Wort Ormen für eine Schlange. Im Christian Theologie, verleitet eine Schlange Eva dazu, von der zu essen Baum der Erkenntnis . Dieser Akt führt zum Fall der Menschheit, wobei Gott Adam und Eva aus der Ewigkeit des Paradieses in die Sterblichkeit verbannt.

Bowie war nie religiös, und das hat sich auch nicht geändert Schwarzer Stern . Die Worte, die er hinterlassen hat, können als Auseinandersetzung mit dem Begriff der Sterblichkeit gelesen werden, wie er in der Religion gesehen wird. Er verwendet auch im gesamten Lied und Video christusähnliche Bilder.

An dem Tag, an dem er starb, geschah etwas

Spirit erhob sich einen Meter und trat zur Seite

Jemand anderes nahm seinen Platz ein und weinte tapfer

Ich bin ein Schwarzstern

Bowie vollführt einen optimistischen letzten Akt, indem er seine Sterblichkeit annimmt und seine Erlösung in dem Wissen findet, dass nach seinem Tod ein weiterer großer Künstler kommt. Ein weiterer brillanter Blackstar. Seine Wiedergeburt kommt in Form der Beeinflussung und Inspiration anderer, voll bewusst und zufrieden, mit der Tatsache, dass seine Unsterblichkeit durch sein unnachahmliches Erbe erhalten bleibt.