Dies sind die 10 erhabensten Landschaftsbilder aller Zeiten

Wanderer Above Sea Fog von Caspar David Friedrich, 1817, via Kunsthalle Hamburg (links); Weiße Nacht von Edvard Munch, 1901, über The National Museum of Art, Architecture of Design, Oslo (rechts)

Erhabene Landschaftsmalereien sind eines der theatralischsten und emotionalsten Themen der Kunstgeschichte und verbinden Schönheit, Drama und Verwüstung gleichermaßen. Der Begriff „erhaben“ wurde vom Philosophen Edmund Burke definiert Eine philosophische Untersuchung über den Ursprung unserer Vorstellungen vom Erhabenen und Schönen in 1757 als Schönheit gespickt mit etwas Extra, einer gewissen Gefahr, Angst oder Schrecken, oder wie er es nannte: was auch immer in irgendeiner Weise schrecklich ist oder sich mit schrecklichen Objekten auskennt oder in einer dem Terror analogen Weise operiert. Burke hat auch nicht weniger als die stärkste Emotion, die der Geist fühlen kann, als erhaben bezeichnet – kein Wunder, dass Künstler diesen Stil unbedingt übernehmen wollten!

Erhabene Landschaftsmalerei durch die Geschichte

Obwohl der Begriff erhaben verschiedene Themen beschreiben könnte, gehören erhabene Landschaftsbilder zu den beständigsten und faszinierendsten von allen. Schon vor Burkes berühmtem Text haben Maler seit dem Mittelalter wirbelnde Sturmwolken, scharfe Klippen und zerklüftete, schneebedeckte Berge hochgefahren, um einem faszinierten Publikum ein überwältigendes Wunder und Schrecken zu vermitteln. Verlieren wir uns in einigen der beeindruckendsten, erhabensten Landschaftsmalereien aller Zeiten, von der Renaissance bis zur Moderne und Gegenwart.

1. Pieter Bruegel der Ältere, Landschaft mit der Flucht nach Ägypten, 1563

Landschaft mit der Flucht nach Ägypten Pieter Bruegel der Ältere , 1563, über die National Gallery, London

Pieter Bruegel der Ältere, Landschaft mit der Flucht nach Ägypten, 1563 verkörpert erhabene Landschaftsmalerei der Nördliche Renaissance , die atemberaubende Landschaften mit religiöser Erzählung kombiniert. Die winzigen Figuren von Maria und Josef taumeln im Vordergrund entlang einer gefährlichen Felswand und fliehen vor der Verfolgung in Bethlehem. Die Szenerie ist eng mit ihrer Geschichte verbunden, da blasse, ferne Landschaften das vertraute Land darstellen, das sie zurücklassen, während der dunkle, ahnungsvolle Vordergrund, auf den sie zusteuern, in die Dunkelheit und Gefahr des Unbekannten gehüllt ist. Breughel versuchte, Bereiche der Stille und Bewegung innerhalb dieses einzigen Bildes zu kontrastieren, indem er die Felsen und Berge als eine stetige und unbewegte Konstante malte, im Vergleich zu der ständig fließenden Bewegung von Wasser, Menschen und Vögeln. Dieses Gleichgewicht der Gegensätze zwischen Dunkelheit/Licht, Zerbrechlichkeit/Beständigkeit und Stille/Bewegung ist der Grund dafür, dass dieses erhabene Landschaftsgemälde zu einem der beständigsten Bilder aller Zeiten geworden ist.

2. Philipp James De Loutherbourg, Eine Lawine in den Alpen, 1803

Eine Lawine in den Alpen Philip James De Loutherbourg , 1803, über Tate, London

Der in Großbritannien lebende, in Frankreich geborene Philip James De Loutherbourg malte Eine Lawine in den Alpen 1803, zu einer Zeit, als das Malerische noch gefährlich war Französische Alpen waren eine immer beliebtere Verkörperung der erhabenen Landschaft. De Loutherbourg war nicht nur Maler, sondern auch Bühnenbildner für Theater, eine Rolle, die es ihm ermöglichte, durch starke Beleuchtung, Tiefe und Bewegung überwältigende Dramatik in seine Leinwände zu bringen. Hier beginnen die fernen französischen Berge in einer Lawine zu zerbröckeln, werfen erschreckend große Wolken aus wogendem Staub und Rauch über die Szene und verdunkeln den Himmel darüber. Ein weißer Lichtblitz in der Mitte lenkt unseren Blick auf die winzigen, verängstigten Zuschauer, die angesichts der um sie herum fallenden Felsen winzig klein sind und bald von den elementaren Kräften der Natur zerstört werden.

Gefällt dir dieser Artikel?

Melden Sie sich für unseren kostenlosen wöchentlichen Newsletter anVerbinden!Wird geladen...Verbinden!Wird geladen...

Bitte überprüfen Sie Ihren Posteingang, um Ihr Abonnement zu aktivieren

Vielen Dank!

3. Joseph Mallord William Turner, Schneesturm: Hannibal und seine Armee überqueren die Alpen, 1812

Schneesturm: Hannibal und seine Armee überqueren die Alpen von Joseph Mallord William Turner , 1812, über Tate, London

J.M.W. Turners Schneesturm: Hannibal und seine Armee überqueren die Alpen, 1812, verkörpert die quälende Schönheit der Romantik war , mit monströsen, sich wölbenden Gewitterwolken, die unten über kleinen Menschen aufsteigen. Gewidmet Hannibal Barca, Kommandant von die karthagische Armee 200-100 v. Chr. vermittelt das Gemälde Hannibals Soldaten, die 218 v. Chr. versuchen, die Alpen zu überqueren, während salassianische Stammesangehörige gegen Hannibals Nachhut kämpfen. Hier wird der Sturm zu einer starken Metapher für einen lebensbedrohlichen Kampf, wenn schwarze, wütende Wolken einen schrecklichen, wirbelnden Strudel bilden, der gegen die winzigen, hilflosen Soldaten zurückdrängt. In der Ferne ist die Sonne eine leuchtende Kugel aus hypnotisierendem Licht, ein Hoffnungsschimmer inmitten der Tragödie des Krieges. Aber jenseits narrativer Referenzen, dieses Erhabene Landschaft Turners ist letztlich eine Reflexion über die schiere, zerstörerische Brutalität der Natur, die droht, die Menschen unten gefühllos zu verschlingen.

4. Caspar David Friedrich, Wanderer über dem Meeresnebel, 1817

Wanderer über dem Meeresnebel Caspar David Friedrich , 1817, via Kunsthalle Hamburg

Eines der ikonischsten und erhabensten Landschaftsgemälde aller Zeiten, das des deutschen Malers Caspar David Friedrich, Wanderer über dem Meeresnebel, 1817, verkörpert den verträumten idealistischen Geist von Europäische Romantik . Allein auf einem hohen dunklen Felsen stehend, betrachtet eine einsame Gestalt ihren Platz im Universum, während nebliger Nebel über die fernen Täler und Berge dahinter schwärmt. Friedrich vermittelt die erhabene Landschaft hier als unwirtliches und unerkennbares Terrain, das die Faszination des 19. Jahrhunderts für wilde, ungezügelte Natur widerspiegelt.

Im Gegensatz zu anderen Künstlern dieser Zeit, die eher kleine Figuren schufen, um die Größe der Landschaft zu betonen, räumt Friedrich seiner Figur eine zentrale Rolle ein, behält aber in der Rückenansicht seine Anonymität als abstrakter „Wanderer“ und fungiert als Symbol für alle wehmütigen Träumer des neunzehnten Jahrhunderts und darüber hinaus. Die Szene ist eine imaginäre Interpretation der deutschen Berglandschaft; Um solche mystischen Orte zu schaffen, suchte Friedrich nach innen und schrieb: Schließe dein physisches Auge, damit du dein Bild zuerst mit dem geistigen Auge sehen kannst. Dann bringe das, was du im Dunkeln gesehen hast, ans Licht, damit es auf andere wirken kann, von außen nach innen scheinend.

5. Karl Eduard Biermann, Das Wetterhorn, 1830

Das Wetterhorn Karl Eduard Biermann , 1830, via Alte Nationalgalerie, Berlin

Karl Eduard Biermanns Das Wetterhorn, 1830, verkörpert den erhabenen Landschaftsmalstil des deutschen Malers mit einem riesigen, schroffen Gelände inmitten einer dramatischen Theaterbeleuchtung. Der zerklüftete Vordergrund ist sorgfältig in satten dunklen Grün- und Brauntönen gemalt und führt uns zu einem Band aus Bäumen und Felsen, das in schwarzen Schatten verschwindet. Im Hintergrund wird eine epische Bergkette von einem Sonnenstrahl beleuchtet, der ihre eisigen, spitzen Türme als mystischen und unerreichbaren Ort hervorhebt, während Wolken über sie hinwegziehen, als drohten sie, in einen Sturm auszubrechen. Wie viele Maler der Romantik betont Biermann die Ehrfurcht, das Wunder und die erschreckende Größe der Szene, indem er zwei winzige Figuren in den Vordergrund stellt, die es uns ermöglichen, uns selbst inmitten der Szene vorzustellen. Sie versuchen, über unebene Felsen und sumpfiges Gras zu klettern, während ein wütender Wasserfall an ihnen vorbeirauscht und das Licht wie ein Blitz einfängt und ihre gefährliche Reise auseinander bricht.

6. Arnold Böcklin, Die Insel der Toten, 1880

Die Insel der Toten von Arnold Böcklin , 1880, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Eines der eindringlichsten Landschaftsgemälde, das jemals gemalt wurde, das des deutschen Malers Arnold Bocklin Die Insel der Toten, 1880, vermittelt eine imaginäre Insel, die sich vor einem dunklen, grüblerischen Himmel aus dem Meer erhebt. Das Gemälde wurde von der kürzlich verwitweten Marie Berna in Auftrag gegeben, die nur ein Bild zum Träumen wünschte. Als Antwort auf ihre Bitte versah Böcklin sein Image mit Anspielungen auf Tod und Trauer. Im Vordergrund wird neben einem sargähnlichen Objekt eine gespenstisch weiße Gestalt auf einem kleinen Ruderboot auf die Insel zugesteuert. Der Ruderer wurde mit dem altgriechischen Schriftzeichen verglichen Charon der Bootsmann , der die Seelen der Toten über den Fluss Styx zum Hades brachte. Die Insel säumen Reihen bedrohlich dunkler Zypressen, die traditionell mit Friedhöfen in Verbindung gebracht werden, während die zerklüfteten, leuchtenden Felsen dahinter mit Grabtüren und -fenstern versehen sind. Im Gegensatz zu vielen erhabenen Landschaften durchdringt gespenstische Stille die Szene und verleiht ihr eine unheimliche Stille; Böcklin selbst beschrieb die Arbeit sogar als so leise, dass man erschrocken sei, wenn es an der Tür klopfte.

7. Edvard Münch, Weiße Nacht, 1901

weiße Nacht Edward Munch , 1901, über das Nationalmuseum für Kunst, Architektur und Design, Oslo

Edward Munch gemacht Weiße Nacht, 1901 in seiner späteren Karriere, zu einer Zeit, als er die Figuration zugunsten atmosphärischer Landschaften aufgegeben hatte, aber die gleiche durchdringende Angst seiner früheren Kunst blieb. Dieses erhabene Landschaftsgemälde zeigt seine Heimat Norwegen im tiefsten Winter und blickt über bedrohlich dunkle Bäume auf einen zugefrorenen Fjord hinab. Ein Fichtenwald bildet eine gezackte Kante so scharf wie eine Sägekante, eine Warnung vor dem gefährlichen Eis dahinter. Schwarze Bäume im Vordergrund lassen Gesichter oder Phantomwesen erahnen, sind aber unter dem Mantel der anbrechenden Nacht kaum noch zu erkennen. Durch die Kombination von gleißendem Mondlicht mit diesen Qualitäten von Gefahr und Bedrohung fängt Munchs nächtliche Winterszene die erhabene Schönheit des norwegischen Winters ein. Über die Art und Weise nachdenkend, wie seine Landschaftsszenen Beobachtungen mit dem inneren Geist verschmelzen könnten, schrieb Munch: „Die Natur ist nicht nur alles, was für das Auge sichtbar ist … sie umfasst auch die inneren Bilder der Seele.

8. Akseli Gallen-Kallela, See Keitele, 1904

See kochen von Akseli Gallen-Kallela , 1904, über die National Gallery, London

Askeli Gallen-Kallelas See Keitele, 1904, vermittelt den berühmten finnischen See als faszinierenden Lichtspiegel, der von zickzackförmigen Windströmungen durchzogen wird. Das Gemälde entstand zu einer Zeit, als in ganz Finnland ein wachsender Wunsch nach Unabhängigkeit zu spüren war. Dieses erhabene Landschaftsgemälde, das die große unberührte Wildnis des Landes feiert, wurde zu einem starken Symbol für finnischen Nationalismus und Stolz. Obwohl es keine Anzeichen von menschlichem Leben gibt, waren natürliche Bewegungsströmungen, die durch das Wasser fließen, ein bekanntes Merkmal des Sees. Diese Bewegungsstreifen waren historisch so bekannt, dass sie in der alten finnischen Kultur mit dem mythologischen Charakter von verbunden waren Väinämöinen , der angeblich Wellen hinterließ, als er über den See reiste. Diese subtilen Darstellungen der Bewegung hatten eine große nationalistische Symbolik für Gallen-Kallela und feierten die mysteriöse und rätselhafte Schönheit der alten finnischen Kultur und ihre enge Verbundenheit mit dem Land. Er beschrieb sie so, dass silberne Streifen an der Oberfläche des ruhigen Wassers die Wellen sind, die die kommende Leidenschaft ankündigen.

9. Thomas Moran, Der Grand Canyon des Colorado, 1904

Der Grand Canyon des Colorado von Thomas Moran , 1904, über Christie’s

Bei Thomas Moran Der Grand Canyon des Colorado, 1904 wird die enorme Weite dieses berühmten Nationalparks auf einem riesigen Panoramamaßstab von zwei mal drei Metern vermittelt. Der amerikanische Maler Moran, der sowohl an der Hudson River als auch an der Rocky Mountain School führend war, war von Colorados gefährlich schönem, unberührtem Terrain so fasziniert, dass er tief in eine Landschaft eintauchte, in die sich nur wenige vor ihm gewagt hatten, und mehr als dreißig Szenen malte, um diese einzigartige, erhabene Landschaft einzufangen . Fasziniert betrachtet er den großen offenen Raum hinter ihm, schrieb er, seine gewaltige Architektur erfüllt einen mit Staunen und Bewunderung, und seine Farben, Formen und Atmosphäre sind so hinreißend schön, dass sich, wie weit gereist man auch sein mag, eine neue Welt eröffnet ihm, wenn er in den Grand Canyon blickt.

Diese Szene vermittelt eine idealisierte und romantisierte Vision der Grand Canyon wie scharfe Felsen ins Licht fallen und wieder herausfallen, bevor sie am fernen Horizont verschwinden, während ein heranziehender Sturm über ihnen Fahrt aufnimmt. Das Publikum war von Morans Darstellungen der großen amerikanischen Wildnis so geblendet, dass man ihm heute zuschreibt, dass er die Entstehung beeinflusst hat das Nationalparksystem die die Integrität der erhabenen Landschaft Amerikas bewahrt hat.

10. Peter Doig, Skijacke, 1994

Skijacke von PeterDoig , 1994, über Tate, London

Schottischer Maler Peter Doigs Skijacke, 1994, ist eine Flut von schneebedeckter Energie und Bewegung. Basierend auf einem fotografischen Bild mit Skischülern, die über einen japanischen Berg verstreut sind, verzerrt und unterbricht Doig das Originalbild absichtlich, schneidet es in der Mitte in zwei Teile und fügt es wieder zusammen, um ein gespenstisches Spiegelbild zu erzeugen Rorschach Wirkung. Doig ist bekannt dafür, fotografisches Material mit malerischen Markierungen zu verschmelzen und es den beiden gegensätzlichen Stilen zu ermöglichen, sich gegenseitig auszuspielen, wie in diesem Bild zu sehen ist, wo sorgfältig gemalte Bäume von locker geschichteten Waschungen in Rosa, Weiß und Grün umgeben sind. Diese wässrigen Farbpassagen suggerieren die kalten, rutschigen Qualitäten von Eis und Schnee, die das Bild durchdringen und ihm eine gefährliche Unsicherheit verleihen, was die Angst vor den winzigen Skifahrern verstärkt, die gegen das tückisch steile Gelände um sie herum kämpfen.

Vermächtnis erhabener Landschaftsmalerei

Das Erhabene wurde im 19. Jahrhundert für „veraltet“ erklärt und verblasste zugunsten des französischen Impressionismus. Die erhabene Landschaftsmalerei erlebte jedoch im 20. Jahrhundert ein Comeback, als die Abstrakten Expressionisten dieselben existentialistischen, transzendenten Themen in ihrer Malerei erforschten. Künstler wie Mark Rothko, Clyfford Still und Robert Smithson haben alle Elemente des Erhabenen in ihren Werken verwendet.