Die Wunder der optischen Kunst: 5 definierende Merkmale

Peter Kogler installation view at Galerie Mitterand , 2016; mit Epoff von Victor Vasarely, 1969; und Relativität von M.C. Esscher, 1953

Optische Täuschungen faszinieren Künstler seit Jahrhunderten, aber erst seit den 1960er Jahren wurde der Begriff Optical Art oder Op Art als eigenständige Kunstrichtung anerkannt. Dieser Zweig der Kunstpraxis erforscht die magischen Wunder optischer Täuschungen, regt die Sinne an und stört unsere physiologischen und psychologischen Wahrnehmungen mit seltsamen Mustern, die Schwellungen, Verzerrungen und Unschärfen hervorrufen oder erschreckende Illusionen von Tiefe, Licht und Raum erzeugen. Das Betrachten dieser Kunstwerke kann eine wahrhaft umwerfende Erfahrung sein, die uns aus der gewöhnlichen Welt in die Bereiche des Surrealen und Fantastischen hebt. In diesem Artikel untersuchen wir fünf der häufigsten Merkmale, die optische Kunst in modernen und zeitgenössischen Zeiten definiert haben. Aber lassen Sie uns zuerst einen Blick auf die historische Entwicklung der optischen Kunst und die Künstler werfen, die den Weg für die heutigen Praktizierenden geebnet haben.

Die Geschichte der optischen Kunst

Die Botschafter von Hans Holbein dem Jüngeren , 1533, über die National Gallery, London

Obwohl wir die verrückt machenden Muster und Farben der Optischen Kunst als zeitgenössisches Phänomen betrachten könnten, sind optische Effekte seit der Renaissance ein wichtiger Strang der Kunstgeschichte. Einige könnten sogar sagen, dass die Entdeckung der linearen Perspektive in der frühen Renaissance der erste optische Effekt war, der in der Kunst auftauchte und es Künstlern ermöglichte, die optische Täuschung Tiefe und Weite wie nie zuvor. Auch die Camera Obscura war ein beliebtes Werkzeug Künstler der Renaissance , was es ihnen ermöglicht, ein erstaunliches Maß an Realismus zu erreichen, indem sie das wirkliche Leben durch eine Lochblende auf die Leinwand projizieren. Einige experimentierten sogar damit, wie a Dunkelkammer könnte seltsame Anamorphose-Effekte in ihrer Arbeit erzeugen, wie z Hans Holbein der Jüngere berühmt rätselhafte Malerei Die Botschafter, 1533, in dem ein über den Vordergrund gestreckter verzerrter Schädel nur aus einem seitlichen Winkel richtig zu sehen ist.

Eingang zum Hafen von Georges Seurat , 1888, in der Lillie P. Bliss Collection and Museum of Modern Art, über The New York Times

Im 19. Jahrhundert pointillistische Künstler George Seurat und Paul Signac experimentierten mit den optischen Effekten von Farbe und untersuchten, wie Muster aus winzigen Punkten in reiner, unvermischter Farbe, die nebeneinander platziert wurden, aus der Ferne betrachtet im Auge „verschmelzen“ können. In Seurats Gemälden bildeten diese schimmernden Punkte einen schwindelerregenden und hypnotisierenden „Hitzeschleier“, der die Grenzen zwischen Objekten und dem Raum um sie herum auflöste.

Andere Künstler und Illustratoren der gleichen Zeit spielten mit surrealen Dualitäten, bei denen ein einzelnes Bild zwei verschiedene Bezugspunkte enthalten konnte, wie z WIR. Hügel Junge Frau Alte Frau , und Edgar Rubins Vase, 1915 – Bilder wie diese waren eher beliebte Gesellschaftsspiele als ernsthafte Kunstwerke. Aber einer der faszinierendsten Künstler, der solche Ideen in die Kunstwelt brachte, war der niederländische Grafiker MC Escher, dessen gekonnte und unglaublich surreale Kunstwerke ein schwindelerregend komplexes Universum aus mosaikartigen Mustern und alternativen Realitäten illustrieren.

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Relativität von M.C. Escher , 1953, über New Hampshire Public Radio

Mitte des 20. Jahrhunderts explodierte das Interesse an optischer Kunst in ganz Europa und darüber hinaus; Künstler fühlten sich zu einer Zeit, als Fortschritte in den Bereichen Computer, Luft- und Raumfahrt und Fernsehen gemacht wurden, zunehmend von den Welten der Wissenschaft, Farbe und Optik angezogen. In den 1960er Jahren hatte sich Optical Art zu einer eigenständigen Kunstbewegung entwickelt, mit Künstlern wie Bridget Riley, Victor Vasarely und Jesus Rafael Soto, die gewagte Experimente im Bereich der Optik durchführten, jeder mit seiner eigenen Sprache der abstrakten Geometrie.

Optische Kunst entstand im Einklang mit Kinetische Kunst, Beide Stile teilten die Faszination für Technologie und Bewegung, aber Optical Art konzentrierte sich mehr auf zweidimensionale als auf dreidimensionale Kunstformen. In der heutigen Zeit hat sich dies alles geändert, da die heutigen Künstler schwindelerregende optische Effekte auf eine Vielzahl von Kontexten ausgedehnt haben, von Galerieräumen bis hin zu Straßen der Stadt. Also, wie genau sieht Optical Art aus? Hier sind fünf der charakteristischen Merkmale, die diese faszinierende Arena zusammen mit einigen der berühmtesten Kunstwerke der Welt ausmachen.

Seltsame Geometrie

Epoff von Victor Vasarely , 1969, über Christie’s

Geometrische Muster sind ein wichtiger Bestandteil vieler optischer Kunst, die es Künstlern ermöglichen, damit zu experimentieren, wie komplexe Anordnungen von Linien, Farben und Mustern auf einer flachen Oberfläche pulsieren oder anschwellen können. Beeinflusst von den alternativen Realitäten von M.C. Escher, verschiedene Op-Künstler der 1960er Jahre spielten ebenfalls mit sich wiederholenden tessellierten Mustern und zogen oder streckten sie in gewagte neue Richtungen. Der bahnbrechende französische Maler Victor Vasarely entwarf in den 1960er und 1970er Jahren schillernde Entwürfe, die sich von der flachen Oberfläche nach außen in den Raum dahinter auszudehnen scheinen, wie in zu sehen ist Epoff, 1969. Manchmal auch als „Großvater“ der Op Art bekannt, sind seine bahnbrechenden Gemälde heute weltweit für ihren technischen und erfinderischen Einfallsreichtum bekannt. Er hat die berühmte Beobachtung gemacht: Die Präsenz eines Kunstwerks zu erleben, ist wichtiger als es zu verstehen.

Progression Polychrom von Jean-Pierre Yvaralh , 1970, über Christie’s

Vasarelys Sohn Jean-Pierre Yvaral trat in den 1970er und 1980er Jahren in die Fußstapfen seines Vaters und schuf komplexe Farb- und Lichtschemata, die vor glühender Energie zu summen scheinen. Fließende horizontale und vertikale Linien suggerieren wellenförmige Bewegungswellen, während subtile, flackernde Lichtmodulationen schimmernde, schwindelerregende visuelle Effekte erzeugen, wie in zu sehen ist Progression, Polychromie, 1970.

Bewegung

Wechsel von Bridget Riley , 1963, über Sotheby’s

Bewegung ist seit den 1960er Jahren ein Schlüsselmerkmal der optischen Kunst, wobei verschiedene Künstler erforschten, wie man durch dynamische Anordnungen von Form und Farbe Bewegung auf einer flachen Oberfläche hervorrufen kann. Die britische Künstlerin Bridget Riley ist eine der bekanntesten – in den 1960er und 1970er Jahren war sie fasziniert von der auffälligen optischen Wirkung von kontrastreichen Schwarz-Weiß-Designs und erforschte, wie schwankende Wellenlinien und enge, sich wiederholende Muster das Wellengefühl von hervorrufen können Bewegung. Ihre Bilder waren so visuell stark, dass sie Schwellungen, Verwerfungen, Blitze, Vibrationen oder sogar Unstetigkeit, Nachbilder und Ohnmacht verursachen konnten. Später experimentierte Riley mit Farbe und ließ sich dabei von Georges Seurats „Hitzeschleier“-Effekten inspirieren, die durch das Aneinanderreihen komplementärer Farben entstanden, eine Praxis, die sie in ihre charakteristischen geometrischen Muster integrierte.

Spirales 1955 (aus dem Sotomagie-Portfolio) von Jesus Rafael Soto , 1955, über Christie’s

Der venezolanische Künstler Jesus Rafael Soto war ebenfalls fasziniert von der Beschwörung von Bewegung in der Kunst und experimentierte damit, wie sich überschneidende Formen und Linien sowohl in zwei- als auch in dreidimensionalen Formen verschwommene, desorientierende visuelle Effekte hervorrufen können. In seiner Serie Spiralen, 1955, Bewegung wird erzeugt, indem konzentrische weiße Kreise über eine Reihe schwarzer Kreise gelegt werden. Gegenüberliegende schwarze, abgeflachte Ovale mit weißen, hohen Rechtecken verursachen Reibung und eine radiale Unschärfe, wenn die Kreise begonnen haben, sich in Bewegung zu setzen.

Die Illusion der Tiefe

Marion Gallery, Panama-Wandbild bis 1010 , 2015, über Arch Daily

Eine weitere beliebte Trope für Op-Künstler ist die Illusion von Tiefe, ein Effekt, der manchmal so extrem ist, dass er starke Schwindelgefühle hervorruft. Dieser Zweig der optischen Kunst ist ein neueres Phänomen, das in einer Vielzahl von Zusammenhängen aufgetreten ist, von Straßenecken bis hin zu Galeriewänden. Anonymer deutscher Graffiti-Künstler, bekannt als 1010, macht auffallend Installationen an öffentlichen Kunstorten die Vasarelys verzerrte Geometrie erweitern. Auf flachen Wänden erzeugt er die Illusion von höhlenartigen Tunneln oder Höhlen, die uns mit gestapelten Schichten brillant heller Farben und dramatischem Hell-Dunkel-Licht zu ihnen ziehen und uns zu ihrem dunklen und mysteriösen Zentrum ziehen.

Vorteil von Aakash Nihalani , 2014, über das Colossal Magazine

Der amerikanische Künstler Aakash Nihalani macht auch kühne, blendend helle Installationen, die den Raum auf einer ansonsten flachen Ebene zu öffnen scheinen. Seine imaginären Blitze, Kästen, Fenster und Lichtschalter arbeiten mit einfachen, geometrischen Formen, die mit karikaturartigen Umrissen und grellen Farbfeldern bemalt sind, und schaffen neue Tore in weiße Wände. Diese Elemente beleben sie mit einem spielerischen, lächerlichen und überdimensionierten Sinn für Spaß. Manchmal bringt er dreidimensionale, konstruierte Elemente ein, wie in gesehen Vorteil, 2014, wo ein Streifen Scheinelektrizität aus bemaltem Holz die beiden gegenüberliegenden Galeriewände miteinander verbindet.

Widersprüchliche Farbe und Druck

Abmessung (Rückseite) von Jens Stark , 2013, über Installation Magazine

Aufbauend auf dem Vermächtnis von Bridget Riley und Victor Vasarely spielen viele der heutigen Op-Künstler mit der schrillen Dissonanz, die durch die Gegenüberstellung kollidierender Farben und Drucke in einem einzigen Kunstwerk entsteht. Die amerikanische Künstlerin Jen Stark ist weithin bekannt für ihre fantastisch hellen Anordnungen von Mustern und Farben, die von den visuellen Systemen des Pflanzenwachstums, der Evolution, der Unendlichkeit, Fraktale und Topographien beeinflusst werden. Ihre in dreidimensionalen Schichten aufgebauten Arbeiten laden zum Betrachten aus mehreren Blickwinkeln ein und ermutigen uns, sich um sie herum zu bewegen, um flimmernde und schimmernde visuelle Effekte zu erzeugen, wie in gesehen Abmessung (Rückseite), 2013.

Räumliche Chromointerferenz von Carlos Cruz Diez , 2018, in der Zisterne des Buffalo Bayou Park, über The Houston Chronicle

Der lateinamerikanische Künstler Carlos Cruz Diez hat die optische Kunst auch in dreidimensionale Bereiche gebracht und untersucht, wie kaleidoskopische Darstellungen gemusterter Farben unser Verständnis von Raum verändern können. Neben der Schaffung von expansiven gemalte Kunstinstallationen im öffentlichen Raum mit lebendigen Op-Art-Mustern hat er auch Labyrinthe aus farbigem Licht geschaffen, die er Chromosaturierungen nennt, und Galerieräume in prismatische Displays aus leuchtenden Mustern tauchen. Der Schriftsteller Holland Cotter beschreibt das Betrachten der Werke: Das Gefühl ist leicht desorientierend, schwindelig, als ob die Schwerkraft manipuliert worden wäre.

Licht und Raum

La Villette in Suiten von Felice Varini , 2015, über das Colossal Magazine

Flüchtige Qualitäten von Licht und Raum wurden in viele der mächtigsten Op-Art-Werke von heute integriert, insbesondere in die Praxis der Schweizer Künstlerin Felice Varini. Ähnlich wie Op-Künstler früherer Generationen spielt er mit den geometrischen Sprachen konzentrischer Kreise, Wellenlinien und sich wiederholender Muster, aber er trägt diese Vorstellungen in die reale Welt hinaus und erweitert sie über riesige, weite Räume. Mit lebendigen, synthetisch hellen Farben auf graue, industrialisierte Räume gemalt, bringen seine flimmernden Muster Licht, Farbe und Leben in ansonsten langweilige oder triste, übersehene Räume. Wie die Anamorphose von Hans Holbein aus dem 16 La Villette in Suiten, 2015.

Die Zukunft der optischen Kunst

Peter Kogler installation view at Galerie Mitterand , 2016, über Galerie Mitterand, Paris

Blicken in die Zukunft, viele von heute zeitgenössische Künstler untersuchen, wie Digitale Technologie kann den Umfang und die Reichweite der optischen Kunst erweitern und gleichzeitig in den dreidimensionalen Raum expandieren. Ein Paradebeispiel ist der österreichische Künstler Peter Kogler, der erstaunlich komplexe, verzerrte Linien und Muster in immersive und allumfassende Umgebungen bringt, die in und aus flachen Wänden zu schwellen und zu pulsieren scheinen. Seine einzigartigen Muster, die auf einem Computer entworfen wurden, haben eine Vielzahl von Formaten angenommen, darunter Drucke, Skulpturen, Möbel, Tapeten, Beleuchtungskörper, Collagen und raumgroße digitale Installationen. Seine fantastisch surrealen Visionen sind wie ein Blick in eine unbekannte Zukunft, in der wir direkt in die Welt der virtuellen Realität eintreten können.