Die Ashcan-Künstlerschule in 6 Fakten und 7 Gemälden verstehen

Flussufer Nr. 1 von George Bellows , 1915, über Columbus Museum of Art, Columbus

Die Ashcan School war eine lose definierte Gruppe amerikanischer Künstler, die um die Wende des 20. Jahrhunderts arbeiteten. Ihre Arbeit begann gegen Ende des 19. Jahrhunderts in Philadelphia, aber sie sind vor allem für die Werke bekannt, die sie später produzierten, nachdem sie zu Beginn des 20. Jahrhunderts nach New York gezogen waren. Während die Ränge der Ashcan-Schule nicht streng definiert sind, Robert Henri wird oft als die führende Kraft der Ashcan School of Art angesehen, darunter einige der anderen prominentesten Mitglieder John Sloans , Georg Balg , Everett Shin , Georg Lux , und William Glackens .

1. Die Ashcan-Schule praktizierte eine neue Art von Realismus

Die Kaffeelinie von John Sloan , 1905, über das Carnegie Museum of Art, Pittsburgh

Die Ashcan School hat sich einer Neudefinition von verpflichtet Realismus . Dieser Realismus wurde jedoch nicht unbedingt durch schlichte Ähnlichkeit verfolgt, wie in den Werken von Gustav Courbet und das frühe Französische realistische Maler zu Beginn des 19. Jahrhunderts . Für die Ashcan-Künstler wurde der Realismus vielmehr in der Taktilität entdeckt; In ihren Gemälden löst sich die visuelle Abgrenzung der Sujets und Szenen auf. Die oft unbeholfenen, weitläufigen Räume von Stadtansichten, Innenszenen und Porträts in diesen Werken zeigen, dass Verismus nicht mit typischen Mitteln erreicht wird.

Großes Augenmerk wird bei diesen Bildern hingegen auf die Qualität von Licht und Stimmung gelegt. Dieser Ansatz wird in John Sloans beispielhaft dargestellt Die Kaffeelinie , wo die titelgebende Schlange von Arbeitern, die am frühen Morgen auf den Kaffee warten, als solche kaum wiederzuerkennen ist. Stattdessen geht es Sloan darum, ein Gefühl für den Ort zu schaffen. Am unteren Rand der Leinwand wirbeln dicke Farbtupfer herum: Schmutziger Schnee liegt matt auf den Straßen der Stadt und reflektiert das schwache Licht der Straßenlaternen.

Die Kunst der Ashcan-Schule schlägt vor, dass ein Bild, das nicht zuletzt die viszerale Reaktion einfängt, wesentlicher und realer ist als ein studierter und sorgfältig gerenderter Raum. Während sich also die Ashcan-Künstler dazu verpflichteten, das Leben um sie herum wahrheitsgemäß zu malen, vermitteln die schnell gebürsteten Gemälde diese Wahrheit hauptsächlich durch unmittelbare Empfindung und haptische Anziehungskraft.

2. Ashcan Art war kollektivistisch

Junggesellenabschied bei Sharkey’s von George Bellows , 1909, über das Cleveland Museum of Art

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Für die Ashcan-Künstlerschule sind die Körper, die ihre Bilder besetzen, weniger Personen als Präsenzen. Die Bewegung dieser Körper durch den Raum wird mit starker Wirkung kommuniziert, aber die Körper selbst sind im Wesentlichen nicht wahrnehmbar, abgesehen von dem umgebenden Gefühl der Präsenz. Betrachten Sie in George Bellows’ Junggesellenabschied bei Sharkey’s wie die Züge der Boxer selbst kaum vorhanden sind, sondern der Fokus auf der muskulösen Pinselführung liegt, die im Gemälde als Gefühl von Kraft und Aktion fungiert. Die einzigen erkennbaren Gesichter sind winzige, lose in der Menge verstreute Karikaturen, die eher wie die Andeutung der Anwesenheit eines großen Menschenmeeres wirken als wie die Darstellung eines einzelnen Individuums.

Während die meisten Ashcan-Künstler zumindest gelegentlich in der Porträtmalerei arbeiteten und in diesen Fällen oft füreinander saßen, entziehen sich diese Porträts immer noch der Frage, eine Person zu beschreiben. Die Motive von Ashcan-Porträts werden fast immer ohne Gesten oder Zeichen von Charakter und Persönlichkeit beschrieben. Die Dargestellte ist typischerweise stoisch, zentriert vor einem dunklen Hintergrund, der an den Rändern ihrer Form zerfrisst. Es wird wenig bis gar kein Kontext bereitgestellt, was bedeutet, dass der Betrachter das Motiv in diesen Bildern viel weniger genau definieren kann als in fast allen anderen Beispielen der Porträtmalerei. Als Effekt werden die Porträts stattdessen als Darstellungen einer breiteren Gruppe von Personen verstanden.

3. Bei Ashcan Art ging es um den Alltag

Klippenbewohner von George Bellows , 1913, über LACMA

Der Begriff „Ashcan-Kunst“ stammt von einem spöttischen Kommentar gegenüber Robert Henri und seinem Kreis wegen ihrer Entscheidung, in der Horatio Street Bilder von Aschenbechern und Mädchen zu malen und zu zeichnen, die ihre Röcke hochziehen. Radikal war die Darstellung unterschiedlicher Menschen im ungefilterten Umfeld der Stadt und die Missachtung vermittelter Schönheit. Gemälde wie z Klippenbewohner von George Bellows fangen scheinbar unauffällige Szenen des Stadtlebens ein. Die Sorgfalt, mit der eine solche Szene gemalt wird, ist jedoch ein Akt der Verehrung gegenüber einer Klasse von Menschen, die in der Kunst oft nicht zu sehen sind.

Dieses Engagement für den Alltag und insbesondere das Leben der arbeitenden Menschen lässt sich auf die zurückführen Französische Realisten aus der frühen Mitte des 19. Jahrhunderts, der häufig Szenen von malte Landwirte oder andere Arbeiter. Während das Thema des Alltags in die Zukunft getragen wird Impressionismus , beschränkte sich das vertretene Lifestyle-Spektrum auf die Oberschicht. Im Impressionismus gehörten zu den üblichen Szenen Frauen in üppiger Kleidung, die sich faulenzten oder bei ihnen Eitelkeiten , Ballette , Jockeys , Bootsfahrer , und Mittagessen . Diese Abkehr vom Sujet der Werktätigen, das Kritiker in Frankreich in den Gemälden der Realisten als vulgär beschrieben hatten, hin zur Darstellung eines gehobenen Lebensstils, der für die Kunstmäzene sicherlich eine angenehmere Kulisse darstellte, wurde umgekehrt die Arbeit der Ashcan-Künstler.

4. Ashcan Art war journalistisch

Hesterstr von Georg Lukas , 1905, über das Brooklyn Museum

Viele der Ashcan-Künstler arbeiteten als Zeitungsillustratoren. Vielleicht durch diese Assoziation erhalten die Werke vieler dieser Maler eine journalistische Qualität. Natürlich entstand die realistische Malerei aus dem Wunsch heraus, die Wahrheit des Lebens festzuhalten und zu kommunizieren. Wie Gustave Courbet in der schrieb Realistisches Manifest : Zu wissen, um es zu tun, das war meine Idee. In der Lage zu sein, die Sitten, die Ideen, das Aussehen meiner Zeit nach meiner eigenen Einschätzung zu übersetzen; nicht nur Maler, sondern auch Mensch zu sein; kurz gesagt, lebendige kunst zu schaffen – das ist mein ziel.

Courbet war eindeutig entschlossen, in einer Weise zu malen, die die Zeit widerspiegelt, in der er lebte. Was die Ashcan-Schule also auszeichnete, war die Bereitschaft, ihre Umgebung ohne die gleiche Schlichtung zu reflektieren, die frühere Realisten praktiziert hatten.

Während die frühere realistische Malerei viel gelassener und fokussierter war, tendieren die Leinwände der Ashcan-Künstler eher zur Unordnung des Realen. Wir sehen geschäftige Straßen, düstere und unsichere Innenräume, alle voller übereinander gestapelter Körper. Dieser Effekt lässt sich bei George Luks’ Hesterstr , ein Bild, das jenseits der überwältigenden Menge, die sich über die Bildebene erstreckt, keine unmittelbar erkennbare Handlung oder ein unmittelbar erkennbares Thema zu haben scheint.

5. Ashcan-Künstler kämpften gegen akademischen Realismus und Impressionismus

Lachendes Kind von Robert Henri , 1907, über das Whitney Museum of American Art, New York

Robert Henri schätzte den Impressionismus während seiner Ausbildung in Frankreich in den 1880er Jahren. Er würde den Stil jedoch bis 1895 verächtlich als neuen Akademismus bezeichnen. Zu dieser Zeit war der Impressionismus gut etabliert Amerika auch mit Malern wie William Merrit Chase zu den bekanntesten und angesehensten des Landes. Die Rebellion der Bewegung zu Beginn war verschwunden, als die Impressionisten Akzeptanz im Mainstream fanden und als Apparat der akademischen Malerei, gegen die sie ursprünglich gekämpft hatten, neu definiert wurden.

Während es sicherlich Parallelen im lockeren Umgang mit dem Material in den Ashcan-Leinwänden und denen der Impressionisten gibt, waren die Ziele der Ashcan-Maler unterschiedlich, und so wichen ihre Werke in mehreren wesentlichen Punkten vom Impressionismus ab. Die Werte der Ashcan School spiegeln sich in vielerlei Hinsicht in ihrer Arbeit wider. Die Palette und die Verwendung von Farben gehören zu den offensichtlichsten Ausdrucksformen dafür. Anstelle der übertriebenen Farbe des Impressionismus, der ihnen vorausging, oder der überschwänglichen und willkürlichen Farbe von Fauvistisch , Neo-Impressionist , und Post-Impressionist Malerei, die sich parallel zu ihnen in Frankreich entwickelte, wandten sich die Ashcan-Künstler einer viel dunkleren, gedämpfteren Palette zu, die explizit von Künstlern wie inspiriert wurde Thomas Eakins , Edouard Manet , und Franz Hals . Um nur eines der vielen hervorragenden Beispiele in Robert Henris Werk auszuwählen, das Porträt Lachendes Kind demonstriert diese erdige Palette und die umfangreiche Verwendung von schwarzer oder fast schwarzer Farbe in der Ashcan-Kunst.

6. Die Ashcan-Schule hatte keine Angst vor Hässlichkeit

Der Metzgerwagen von Georg Lukas , 1901, über das Art Institute of Chicago

Obwohl es Präzedenzfälle für ausdrucksstarke, malerische Schnörkel gab, konnte nichts um die Jahrhundertwende mit der Vitalität und Rauheit der Leinwände der Ashcan-Schule mithalten. Die Toleranz für ausdrucksstarke Pinselführung in Bewegungen wie dem Impressionismus war oft auf die wahrgenommene Fähigkeit zur Schönheit bei einer solchen Behandlung zurückzuführen. Der lockerere Stil bot sich für die Übertreibung und Verzerrung von Farbe und Form an, was typischerweise bis zum Ende der ästhetischen Anziehungskraft verfolgt wurde.

Der Ashcan-Stil und -Prozess überschnitten sich sicherlich in mancher Hinsicht mit dem Impressionismus, aber der Zweck dieser Entscheidungen war zwischen den beiden Bewegungen ziemlich unterschiedlich. Vitalität und Ehrlichkeit waren Hauptanliegen der Ashcan-Schule, und so malten sie mit energischen, schnellen Strichen, um flüchtige Momente des Interesses an der ruhelosen Stadt, in der sie lebten, festzuhalten. Während im akademisch assimilierten Impressionismus der Jahrhundertwende der impressionistische Stil effektiv zu kaum mehr als einer ästhetischen Präferenz formalisiert worden war. Mit ihrem eigenen rauen, malerischen Stil, der Visionen des Stadtlebens prägte, denen der anspruchsvolle Pomp des Impressionismus völlig fehlte, wurden die Ashcan-Künstler von Kritikern als die Apostel der Hässlichkeit bezeichnet.

Als Erklärung der Toleranz der Ashcan-Künstler gegenüber Hässlichkeit sowohl in der Thematik als auch in der Behandlung, George Luks’ Der Metzgerwagen ist ein passendes Gemälde zum Abschluss. Luks malt mit verblüffender Direktheit ein Stück wenig schmeichelhafte Infrastruktur der Stadt. Obwohl das Bild so locker gerendert ist wie jedes Ashcan-Gemälde, ist diese Rauheit mehr als eine Verschleierung des Motivs, sondern ein Mittel, es zu unterstreichen. Die Hässlichkeit des Gemäldes wird zum Thema.