Bridget Riley: Die Künstlerin, die optische Täuschungen erschafft

Bridget Rileys Werke wurden in den 1960er Jahren zu einem berühmten Beispiel der Op-Art. Ihre Kunst zeichnet sich durch geometrische Formen, hohen Kontrast, schwindelerregende optische Täuschungen, schwarz-weiße Formen und lebendige Farben aus. Trotz der Tatsache, dass ihre Bilder weithin als abstrakt gelten, betont Riley selbst ihre Rolle als Malerin und nicht als abstrakte Künstlerin. Von ihrer Kindheit an verbrachte Riley viel Zeit damit, die Welt und die Natur um sie herum zu betrachten. Ihre Kunstwerke repräsentieren ihren Fokus auf visuelle Erfahrung. Noch heute schafft Riley Kunst, die den Betrachter zur Interaktion anregt.

Das Werk von Bridget Riley: Was ist Op-Art?

Blaze von Bridget Riley , 1964, über Tate, London

Der Begriff Op-Art ist eine Abkürzung für optische Kunst . Populär wurde die Bewegung in den 1960er Jahren durch die Werke von Künstlern wie Victor Vasarely, Bridget Riley , und Richard Anuszkiewicz. Künstler der Bewegung verwendeten geometrische Formen, um optische Täuschungen in ihren abstrakten Kunstwerken zu erzeugen. Gemälde, die mit der Op-Art in Verbindung gebracht werden, sind auch für ihre Thematisierung der Wahrnehmung und der Wirkung von Farbe auf den Betrachter bekannt. Durch die Manipulation der Linien, Farben und Formen des Gemäldes erzeugen Künstler Illusionen, Mehrdeutigkeiten oder das Gefühl von Bewegung und Flackern in ihren Gemälden. Bridget Rileys Arbeit Blaze ist ein Beispiel für die visuellen Illusionen, die in der Op-Art geschaffen werden. Die Spirale erzeugt nach längerem Betrachten des Kunstwerks ein Gefühl der Bewegung.

Wer ist Bridget Riley?

Foto von Bridget Riley von Ida Kahr , 1963, über Phillips

Bridget Riley wurde 1931 in Norwood, London, geboren. Sie studierte Kunst am Goldsmiths College und am Royal College of Art. Von 1957 bis 1958 arbeitete sie als Kunstlehrerin in Harrow. Später unterrichtete sie auch an der Loughborough School of Art, an der Hornsey School of Art und an der Croydon School of Art.

Zu Beginn ihrer Karriere schuf Riley figurative Gemälde im semi-impressionistischen Stil. Etwa 1958 wechselte sie zu pointillistisch Landschaften. Erst 1960 schuf Bridget Riley ihre ersten abstrakten Op-Art-Werke, für die sie heute am bekanntesten ist. Beeinflusst von Künstlern wie Victor Vasarely begann Riley mit geometrischen Formen, abstrakten Formen, schwarzen und weißen Linien und verschiedenen Farben zu experimentieren, um optische Täuschungen und Bewegung in ihren Werken zu erzeugen. Bekannt wurde sie dadurch, dass sie ihre Arbeiten neben Künstlern wie Victor Vasarely und Josef Albers in der berühmten Ausstellung zeigte Das reagierende Auge 1965 im New Yorker Museum of Modern Art.

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Gala von Bridget Riley , 1974, über Sotheby’s

Während optische Täuschungen weiterhin ein wichtiges Merkmal von Bridget Rileys Werk waren, begann die Künstlerin 1967, mehr Farbe zu verwenden. Die geometrischen Formen ihrer Werke wurden manchmal durch geschwungene Linien ersetzt, die eine wellenartige Bewegung erzeugten. Ein Beispiel für diese farbenfrohen und wellenförmigen Gemälde mit fast schwindelerregender Wirkung heißt Gala aus dem Jahr 1974.

Einige Jahre später verarbeitete Riley ihre Eindrücke von Reisen in Länder wie Ägypten und Indien in ihrer Kunst. Ihre Malerei Achäer von 1981 ist inspiriert von alten Grabmalereien und Landschaften, die der Künstler in Ägypten gesehen hat. Ein anderes Werk genannt Nataraja von 1993 bezieht sich auf die hinduistische Mythologie und den Gott Shiva, der oft als Herr des Tanzes dargestellt wird.

Zusätzlich zu ihren regulären Gemälden wurde Bridget Riley auch beauftragt, mehrere Wandgemälde zu schaffen, darunter das Innere des Royal Liverpool Hospital im Jahr 1983, ein Wandgemälde für die Chinati Foundation im Jahr 2012 und ein Wandgemälde namens Boten 2019 für die National Gallery in London.

Optische Erfahrungen und die Art, wie wir sehen

Sturz von Bridget Riley , 1963, über Tate, London

Einer der wichtigsten Aspekte von Rileys Arbeit ist die Untersuchung der Wahrnehmung und wie wir sehen. Die Künstlerin ist dafür bekannt, in ihren Gemälden optische Erfahrungen zu erforschen. Ihre Arbeiten sind inspiriert von ihrer eigenen Wahrnehmung der Welt um sie herum, der Natur und der Kunstwerke. In einem (n Interview mit Sir John Leighton , sagte Riley, bevor ich jedoch zu zeichnen begann, fing ich an zu schauen. Sie fügte hinzu, dass sie eigentlich gar nicht daran dachte, Künstlerin zu werden, aber um ihre Angewohnheit des Schauens weiter auszuüben, müsse sie auf eine Kunstschule gehen. Die optischen Täuschungen in Bridget Rileys Gemälden erinnern den Betrachter oft daran, wie er sieht, wie sein Auge visuelle Reize verarbeitet und dass die Dinge, die wir wahrnehmen, nicht immer das sind, was sie zu sein scheinen.

Kopie von Bridget Rileys Brücke von Seurat in Courbevoie , 1959, über The Guardian

Die Verbindung zwischen Bridget Rileys Kunst und ihrer Erforschung der visuellen Wahrnehmung lässt sich zum Teil durch ihre Auseinandersetzung mit impressionistischen und pointillistischen Ideen und Malmethoden erklären. Die Ausstellung Bridget Riley: Von Seurat lernen fand von 2015-2016 in der Courtauld Gallery statt und untersuchte diese Beziehung zwischen Seurats Pointillismus und Bridget Rileys Auf Kunst . Ihre Arbeit wurde maßgeblich von Georges Seurat und seiner Betonung der optischen Erfahrung von Kunstwerken beeinflusst.

1959 kopierte Riley Seurats Brücke bei Courbevoie was für ihr Verständnis von Farbe wesentlich war. Durch einen Blick auf Seurat lernte Riley, wie man Farbe einsetzt, um bestimmte Effekte oder Illusionen in ihrer Kunst hervorzurufen. Die pointillistische Technik basiert auf dem Malen von kleinen und unterschiedlich farbigen Punkten, die nebeneinander platziert werden. Die unterschiedlichen Farben der Punkte, die sehr nahe beieinander platziert wurden, ergeben das Erscheinungsbild einer lebendigen und leuchtenden Farbe. Dieser illusionistische Umgang mit Farbe und Kunst findet sich auch in Rileys Werk wieder.

3 unerwartete Gemälde, die Bridget Rileys Arbeit inspirierten

Ohne Titel von Bridget Riley , 1964, über Tate, London

Obwohl Bridget Riley für ihre geometrischen und sich wiederholenden Formen, optischen Täuschungen und das, was man als hochgradig abstrakte Kunst bezeichnen kann, bekannt ist, lässt sie sich von Künstlern inspirieren, die in völlig anderen Stilen malten. Riley hat einmal gesagt, dass sie sich selbst nicht als abstrakte Künstlerin bezeichnen würde, sondern als ein Maler in erster Linie, was diese Einflüsse weniger unerwartet macht, als sie auf den ersten Blick erscheinen mögen.

Diana und Actaeon von Tizian , 1556 – 1559, über National Galleries Scotland, Edinburgh

Das Gemälde Diana und Aktäon durch Tizian schildert einen Mythos aus Ovids Metamorphosen. Es zeigt den Moment der Geschichte, in dem der Jäger Actaeon die Göttin Diana während ihres Bades entdeckt. Wütend über Actaeons Eindringen verwandelt Diana ihn in ein Reh. Unfähig, Actaeons früheres Ich zu erkennen, jagen und töten ihn seine eigenen Hunde konsequent.

Bridget Riley, die den visuellen Einflüssen um sie herum große Aufmerksamkeit schenkt und sich sehr für die Erforschung von Farbe interessiert, schrieb : Tizians legendäre Beherrschung seiner Palette, die Farbmischung und Handhabung seiner Purpur-, Blau- und Gelbocker, ist hier verantwortlich für das, was Delacroix später als das erste Verdienst eines Gemäldes bezeichnete, eine Augenweide zu bereiten.

Dedham Vale von John Constable , 1828, über National Galleries Scotland, Edinburgh

Bekannt für die Darstellung romantischer Landschaften, John Konstabler leistete einen wichtigen Beitrag zur Gattung der Landschaftsmalerei. Constable wurde in Suffolk geboren und stellte oft die Umgebung um sich herum dar. Wie Bridget Riley achtete er sehr auf seine natürliche Umgebung. Konstabler Malerei Dedham-Tal zeigt eines seiner Lieblingsmotive und zeigt den Blick auf die Kirche von Dedham, die in der Nähe der Wassermühle seines Vaters stand. Riley beschrieben die Malerei als Zusammenspiel von gegensätzlichen und widersprüchlichen Naturkräften und einer wunderschönen und ganz besonderen Lichthülle.

Die Malstunde oder Die Malsitzung von Henri Matisse , 1919, über National Galleries Scotland, Edinburgh

Der Titel von Henri Matisses Malerei, Die Malstunde oder die Malsitzung kann als Die Malstunde oder Die Malsitzung übersetzt werden. Es zeigt ein junges Mädchen, das sich über ein Buch beugt, und einen Künstler, möglicherweise Matisse selbst, der auf einer Leinwand malt. Riley, scheinbar verlockt von der mysteriösen Beziehung zwischen den beiden Motiven des Gemäldes, beschrieben fast poetisch in die Szene ein: Das Band ist unmerklich, ein für alle sichtbares Geheimnis, das dadurch an Dichte und Undurchdringlichkeit gewinnt. Der Betrachter schaut weiter, nimmt die gesamte Situation unter die Lupe – nichts wird preisgegeben. Bridget Riley erwähnte, dass Matisses Kunst und die Art, wie er zeichnete, immer ihre Aufmerksamkeit erregten.

Bridget Rileys politische Arbeit: Der Kommerzialisierung widerstehen und den Betrachter integrieren

Foto von Bridget Riley neben ihren Kunstwerken , 1963, über BBC

Bridget Riley begann schon früh in ihrer Karriere, sich gegen den kommerziellen Aspekt der Kunst- und Modewelt zu stellen. Als ihre Arbeit als Druck für Modeartikel verwendet wurde, störte sie die Verwertung ihrer Op-Art für kommerzielle Zwecke. Keith Moon, der Schlagzeuger der Band The Who, trug ein T-Shirt mit einem Aufdruck von Rileys Arbeit Flammen für ein Foto vor der Union-Flagge im Jahr 1966. Damals gab es in den USA keinen Urheberrechtsschutz für Künstler.

Auch Bridget Riley widmete sich dem Problem unbezahlbarer Arbeitsplätze für junge Künstler in London. Zusammen mit Künstlerkollegen Peter Sedley , Riley gegründet PLATZ , was für Space Provision Artistic Cultural and Education steht, im Jahr 1968. Als Sedgley und Riley die postindustriellen Lofts in New York besuchten, die Künstler sowohl zum Arbeiten als auch zum Leben nutzten, dachten sie, dass die leeren Lagerhäuser in London in ähnlicher Weise genutzt werden könnten Weg.

Bewegung im Quadrat von Bridget Riley , 1961, über The Guardian

Im Gegensatz zu Kunst, die für viele Menschen nur für einen kleinen und elitären Kreis gemacht zu sein scheint, bezieht Riley den Betrachter in ihre Arbeit ein und bietet ihm ein unmittelbares optisches Erlebnis. Bridget Rileys Kunst soll a sein sozialer Akt . Sie bindet den Betrachter ein und wird durch die Erfahrung und Interpretation der Arbeit aller ergänzt. Ihre Werke brauchen sowohl den Schöpfer als auch den Betrachter sowie die Interaktion zwischen ihnen, um Kunst zu sein.

Riley sagte, dass junge Menschen, die ihre Arbeit sehen, sehen können, dass ihre Kunst von ihrer Denkweise handelt. Laut Riley genießen sie ihre Arbeit deshalb so sehr, da sie wissen, dass sie ein Teil des Kunstwerks sind. Die Künstlerin fügte hinzu, dass sie es ist sehr begeistert, dass sie sich einbezogen fühlen. Wenn Sie eine Ausstellung mit Rileys Werken betreten, werden Sie als Zuschauer zu einem wichtigen Teil des Kunstwerks selbst.