8 großartige Bildhauerinnen, die Sie kennen müssen
Künstlerinnen erhielten jahrhundertelang kaum Unterstützung. Dies wurde oft mit der angeblichen Unfähigkeit von Frauen erklärt, mit der männlichen Kreativität zu konkurrieren. Insbesondere die Bildhauerei galt als männliche Kunstform, da sie körperliche Arbeit erforderte. Die Missachtung ihrer Leistungen hinderte nicht alle Bildhauerinnen daran, erstaunliche und innovative Werke zu schaffen. Nachfolgend finden Sie acht große Namen von Bildhauerinnen, die sich ihren Platz in der Kunstgeschichte gesichert haben.
1. Camille Claudel: Die vergessene Bildhauerin (1864 – 1943)
Geboren in einer wohlhabenden Bauernfamilie, Camille Claudel zeigte schon früh Interesse an Bildhauerei. Obwohl ihre Mutter, eine konservative Christin, Einwände gegen Camilles Studienwunsch hatte, zog ihr Vater mit der Familie nach Paris, damit ihre Tochter eine der ersten Frauen werden konnte, die in Frankreich eine professionelle Kunstausbildung erhielt. Als leidenschaftliche Leserin ließ sich Camille von Mythen, Legenden, populären Romanen und Veröffentlichungen zur Philosophie inspirieren. Ihr einzigartiges künstlerisches Talent wurde schnell von Kunstliebhabern und Sammlern bemerkt.
Während Claudels Karriere auf dem Vormarsch war, verschlechterte sich ihre geistige Gesundheit, was zum großen Teil auf ihre emotionale und missbräuchliche Beziehung zu einem anderen legendären Bildhauer zurückzuführen war. Auguste Rodin . Ihre Mutter, die Claudels berufliche Laufbahn immer noch missbilligte, beschloss, die Sache selbst in die Hand zu nehmen und ihre Tochter zwangsweise in eine psychiatrische Anstalt zu bringen. Die große Künstlerin verbrachte die letzten dreißig Jahre ihres Lebens in völliger Isolation und verschwand nach ihrem Tod jahrzehntelang im Dunkeln. Jahrelang wurde sie ausschließlich als Muse und Geliebte Auguste Rodins erwähnt. In den letzten Jahrzehnten begannen Kunsthistoriker jedoch, die Einzigartigkeit von Claudels Stil und Können hervorzuheben.
2. Edmonia Lewis (1844 – 1907)
Edmonia Lewis war der erste Künstler afroamerikanischer und indianischer Abstammung, der trotz der Barrieren von Rasse und Klasse internationalen Ruhm erlangte. Lewis verlor früh beide Eltern und wurde von ihren Tanten betreut. Auch sie musste schon in jungen Jahren arbeiten. Sie verdiente ihren Lebensunterhalt mit dem Verkauf bestickter Kleidungsstücke. Nachdem es ihrem Bruder während des Goldrauschs gelungen war, genug Geld zu verdienen, finanzierte er die Ausbildung von Edmonia Lewis am Oberlin College in Ohio. Oberlin war als liberale Institution mit vorherrschenden abolitionistischen Ansichten bekannt, die sich für Koedukation statt Segregation einsetzte.
Die fortschrittliche Fassade half Lewis jedoch nicht dabei, ihre Ausbildung abzuschließen. Im Jahr 1962, als Amerikanischer Bürgerkrieg Weiter wurde ihr fälschlicherweise vorgeworfen, zwei ihrer weißen Klassenkameraden vergiftet zu haben. Selbst der Beweis ihrer Unschuld vor Gericht rettete Edmonia nicht vor einer gewalttätigen Prügelstrafe durch die wütende rassistische Menge der Anwohner. Daraufhin wurde sie vom College verwiesen.
Edmonia Lewis lernte alleine weiter. Ihren ersten finanziellen Erfolg hatte sie, als sie begann, Büsten berühmter, im Krieg verlorener Abolitionisten anzufertigen. Ihre eigentlichen Erfolge begannen jedoch in den 1870er Jahren, als sie nach Europa zog und sich in Rom niederließ. Nachdem sie dort klassische Bildhauerei studiert hatte, schuf sie ihre berühmtesten Werke, darunter auch die dramatische Tod von Kleopatra .
3. Niki de Saint Phalle (1930 – 2002)
Niki de Saint Phalle begann ihre künstlerische Karriere in den 1950er Jahren, als die Nachkriegswelt besonders feindselig gegenüber Frauen war, die traditionelle Rollen ablehnten. Sie wurde in Frankreich in eine Familie französisch-amerikanischer Bankiers hineingeboren, doch die wohlhabende Erziehung brachte der aufstrebenden Künstlerin nicht viel Freude. Schon in jungen Jahren litten Niki de Saint Phalle und ihre Geschwister unter körperlichem, emotionalem und sexuellem Missbrauch durch ihre Eltern. Um ihrer Familie zu entfliehen, heiratete sie einen Freund der Familie, war jedoch bald in demselben Leben voller häuslicher Pflichten und Verantwortungen gefangen, das sie als Kind gehasst hatte.
Kurz nachdem sie sich aus ihrem Familienleben befreit hatte, fand sich Niki de Saint Phalle sowohl in europäischen als auch in amerikanischen Künstlerkreisen wieder. Ihre mutigen Experimente mit Materialien, Techniken und Formaten erregten schnell die Aufmerksamkeit sowohl junger als auch etablierter Künstler Robert Rauschenberg Zu Marcel Duchamp . Der naive und verspielte Stil von Niki de Saint Phalle diente nur als Deckmantel, um Raum für Gespräche über unbequeme und sensible Themen wie das zu schaffen AIDS-Krise , Rassen- und Geschlechterungleichheit und Klimawandel.
4. Augusta Savage (1892 – 1962)
Augusta Savage, die große amerikanische Bildhauerin Harlem Renaissance Sie begann bereits als Teenager mit Ton zu experimentieren, sehr zum Zorn ihres Vaters, eines methodistischen Pfarrers, der das Kunstschaffen als etwas Sündiges ansah. Trotz jahrelanger Schläge und Misshandlungen blieb sie hartnäckig, zog später nach New York und erhielt ein Stipendium am Cooper Union College. Eine renommierte Kunstschule in Frankreich nahm Savage ebenfalls als Schülerin auf, aber die amerikanische Seite weigerte sich, sie dorthin zu schicken, mit der Begründung, dass andere Schüler sich unwohl fühlen würden, wenn sie mit einer schwarzen Frau studieren würden.
Dennoch gelang es ihr, mit der Hilfe ihrer Gönner und Bildhauerkollegen, Augusta Savage gelang es, den Ozean zu überqueren und sich für mehrere Jahre in Paris niederzulassen. Dort recherchierte sie nicht nur über europäische Kunst, sondern präsentierte und verkaufte aktiv ihre eigenen Stücke und gewann sogar renommierte Auszeichnungen. Sie kehrte Anfang der 1930er Jahre in die USA zurück, als die Weltwirtschaftskrise künstlerische Produktion auf Eis legen. Entschlossen, ihrer Gemeinde zu helfen, eröffnete sie ein Kunstatelier und zwei Kunstgalerien, in denen sie Kindern und Erwachsenen das Malen und Bildhauen beibrachte. Obwohl nur eine relativ kleine Anzahl ihrer Werke erhalten blieb, war ihr Einfluss auf die wachsende afroamerikanische Kunstszene offensichtlich und nachhaltig.
5. Wangechi Mutu (1972 –)
Wangechi Mutu ist eine zeitgenössische kenianische Bildhauerin, die kulturelle Identität und Weiblichkeit durch die Linse der afrikanischen Kultur und Geschichte erforscht. Mutu wird oft als Afrofuturist bezeichnet und schafft fantastische Skulpturen, die Science-Fiction mit afrikanischer Tradition verbinden, koloniale Narrative untergraben und sich neue Zukunftsaussichten vorstellen.
Im Jahr 2019 wurde The metropolitan Museum in New York gab bei Wangechi Mutu eine Reihe von Fassadenskulpturen in Auftrag. Die Nischen zur Fifth Avenue waren seit dem Bau des Museums leer und Mutu war der erste Künstler, der gebeten wurde, sie mit neuen Stücken zu füllen. Der Künstler dachte zuerst an Karyatiden, antike griechische Skulpturen von Frauen, die Gebäude anstelle von Säulen halten. Sie verband dieses Konzept mit der traditionellen afrikanischen Skulptur sitzender Frauen und verwandelte sie in außerirdische Figuren, die die Besucher begrüßten. Zu den bemerkenswertesten Merkmalen der Figuren gehörten die Lippenplatten, die traditionell von Frauen aus höheren Schichten einiger äthiopischer Stämme getragen wurden. Mutu verwandelte sie in Spiegel, die Licht reflektierten und mit dem Betrachter interagierten, als er sich dem Museumsgebäude näherte. Nach Mutus anfänglichem Engagement beschloss die Met, die Fassadenskulpturen zu ändern jährlich , Auftragsarbeiten bei verschiedenen zeitgenössischen Bildhauern.
6. Louise Bourgeois (1911 – 2010)
Der französische Bildhauer Louise Bourgeois baute im Laufe ihrer langen Karriere ihre eigene Mythologie auf. Die meisten Arbeiten von Bourgeois haben ihre Wurzeln in ihren Kindheitserfahrungen. Sie dokumentierte die tröstliche, aber kurzlebige Anwesenheit ihrer Mutter, indem sie Spinnen erschuf. Für Bourgeois, a Spinne ist ein freundliches Wesen, das Schutz vor Mücken bietet, die Krankheiten übertragen. Das Motiv des Spinnennetzes war für die Künstlerin ebenso wichtig, da ihre Mutter Gobelinweberin und Restauratorin war.
Die Behandlung einer Vaterfigur in Bourgeois‘ Werk spiegelte Gefühle der Angst, des Ekels und des Misstrauens wider. Ihr Vater hatte eine Reihe von Affären, die er seiner Frau und seiner Tochter kaum verheimlichte. Bourgeois stellte in ihrer Installation seine giftige und deprimierende Präsenz dar Zerstörung des Vaters . Die Komposition entstand aus einem Kindheitstraum, in dem Bourgeois und ihre Geschwister ihren Vater zerstückelten und aßen. Die zahlreichen Affären ihres Vaters hatten Einfluss auf Bourgeois‘ Umgang mit Sexualität in der Kunst, der Gegenstand zahlreicher Forschungsarbeiten und kritischer Essays war. Die Sexualität in ihren Werken ist nicht romantisch oder fröhlich, sondern verzerrt, oft abstoßend und für immer von frühen Traumata geprägt.
7. Kara Walker (1969 – )
Die zeitgenössische Künstlerin Kara Walker ist eine der führenden Afroamerikaner Stimmen in der Kunstwelt. Sie ist bekannt für ihren kompromisslosen Umgang mit Themen wie Sklaverei, systemischem Rassismus und Gewalt. Obwohl Walker eine multidisziplinäre Künstlerin ist, bleibt die Skulptur ein wichtiger Teil ihres Oeuvres. Eines der Hauptmerkmale von Walkers Werk ist ihre Subversion des prestigeträchtig , weiß dominierte Kunst- und Handwerksarten, die während der Kolonialzeit beliebt waren. Indem sie Kontexte und Symbole vermischt, weist sie auf die Heuchelei und Grausamkeit bestimmter Momente der Geschichte hin.
Die monumentale Skulptur Eine Subtilität, Das 2014 erbaute und anschließend abgerissene Museum zeigte eine 75 Fuß lange Sphinx aus Zuckerblöcken in einer ehemaligen Zuckerfabrik. Zuckerskulpturen waren beliebte Tischdekorationen in aristokratischen westlichen Haushalten. Gleichzeitig war die Zuckerproduktion mit Sklavenarbeit verbunden, sodass Sklaven kaum Zugang zu dem von ihnen hergestellten Produkt hatten. Die Merkmale der Sphinx haben nicht viel mit der berühmten ägyptischen Figur gemeinsam. Ihre Sphinx zeigt eine stereotype Darstellung einer schwarzen Frau, einer Mutter und einer Dienerin in der Zeit davor Bürgerrechtsbewegung .
8. Feministische Bildhauerin: Judy Chicago (1939 – )
Das berühmteste Werk von Judy Chicago ist das Monumentale Tischgesellschaft . Ihr skulpturales Werk umfasst jedoch weit mehr als nur den berühmten dreieckigen Tisch. Chicago ist vor allem als bekannt Feminist Künstler. Zu Beginn ihrer Karriere beschäftigte sich die Künstlerin mit minimalistischer Skulptur. Durch die Vereinfachung des Formenvokabulars konzentrierte sie sich auf die Nuancen von Farbe und Ton. Der Titel des Werkes leitet sich vom Namen des in den 1960er Jahren populären Soulsängers Wilson Pickett ab. Die Kritiker, darunter Clement Greenberg , begegnete frühen minimalistischen Werken von Judy Chicago mit Wertschätzung, doch ihr weiterer Erfolg übertraf diese Stücke.