5 überraschend berühmte und einzigartige Kunstwerke aller Zeiten

Mein Bett von Tracey Emin, 1998; mit Lobster Telephone von Salvador Dalí, 1938

Im Laufe der Geschichte hat die Kunstwelt zahlreiche Veränderungen sowohl in allgemeinen künstlerischen Bewegungen als auch in der eigentlichen Definition von Kunst erlebt. Künstler aus der ganzen Welt haben vorgefasste Meinungen darüber in Frage gestellt, was Kunst sein kann; Haushaltsgegenstände, Werkzeuge und sogar tote Tiere unter den jüngsten Ausstellungen. Von Salvador Dali bis Marcel Duchamp, hier sind 5 einzigartige Kunstwerke, die die Grenzen dessen sprengen, was Kunst sein kann.

Hier sind die Top 5 einzigartigen Kunstwerke aller Zeiten

1. Song Dongs „Waste Not“ (2005)

Waste Not Ausstellung von Song Dong , 2009, über MoMA, New York

Über zehntausend Objekte füllen den Raum. Das Kunstinstallation enthält alles, was Sie in einem durchschnittlichen Zuhause erwarten würden: Schuhe, Töpfe und Pfannen, Bettgestelle, Stühle, Regenschirme und Fernseher, um nur einige zu nennen. Das liegt daran, dass dieses einzigartige Kunstwerk buchstäblich alle Besitztümer aus dem Haus einer durchschnittlichen Person enthält. Und wer war die Person? Die Mutter des Künstlers. „Waste Not“ wurde von einem chinesischen Konzeptkünstler geschaffen und ist eine hamsterartige Sammlung von Gegenständen, die seine Mutter im Laufe von fünf Jahrzehnten erworben hat. Einige der Gegenstände könnten sogar als Müll, Plastiktüten, Seifenstücke, leere Wasserflaschen und Zahnpastatuben beschrieben werden, während andere zutiefst persönliche und sentimentale Objekte sind, wie z Rahmen des Hauses Der Künstler wurde in geboren.

Dieses einzigartige Kunstwerk, das 2005 geschaffen wurde, war eine Zusammenarbeit zwischen dem Künstler Song Dong und seiner Mutter Zhao Xiangyuan, um mit der Trauer umzugehen, der sie nach dem Tod von Dongs Vater ausgesetzt waren. Nach dem Tod ihres Mannes wurde Zhaos Tendenz, Gegenstände im Namen der Genügsamkeit aufzubewahren, schnell zu einer Besessenheit vom Horten. Ihr Haus war bis zum Rand mit diesen Gegenständen gefüllt, von denen die meisten überhaupt nicht nützlich waren.

Einzelheiten zu „Waste Not“ von Song Dong , 2005, über öffentliche Zustellung

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Als ihr Sohn ihre Handlungen in Frage stellte, Sie hat geantwortet , Wenn ich den Raum fülle, erinnern mich die Dinger an deinen Vater. Die Gegenstände werden sortiert, ähnliche Objekte gruppiert und sorgfältig zu Stapeln gestapelt. Die Installation ist erstaunlich, die riesige Sammlung so schön wie groß. Das visuelle Staunen über das Stück wird nur noch übertroffen von dem Wissen, dass jeder Artikel von Zhao gekauft und gerettet wurde.

Einer der persönlichsten Teile der Sammlung war die Waschseife, die Zhao ihrem Sohn als Hochzeitsgeschenk geschenkt hatte. Als Song Dong seiner Mutter sagte, dass er die Seife nicht brauche, weil er eine Waschmaschine benutzt, sie beschloss, sie in seinem Namen zu retten , eine Geste, die Dong zeigte, dass es ihr um viel mehr ging als um Seife. Jedes einzelne Objekt trägt eine komplexe Reihe von Emotionen und Bedeutungen mit sich, die alle auf eine einzige Person zurückgehen.

Zhao starb 2009, vier Jahre nach Fertigstellung des Kunstwerks. Auch nach ihrem Tod hält das Stück ihre Trauer, ihren Schmerz, ihre Fürsorge und ihre Liebe fest. Es wird derzeit in New York City im Museum of Modern Art ausgestellt.

2. Salvador Dali und Edward James' „Lobster Telephone“ (1938)

Hummertelefon von Salvador Dalí, 1938, über Tate, London

„Lobster Telephone“ ist genau das, wonach es sich anhört: ein schwarzes Telefon mit Wählscheibe und einem Hummer als Hörer. Dieses einzigartige Kunstwerk wurde 1938 geschaffen und bestand vollständig aus Stahl, Gips, Gummi, Papier und Harz. eine klassische Ausstellung von Salvador Dalí Surrealismus . Das einzigartige Kunstwerk wurde für Edward James, einen englischen Kunstsammler und Dichter, angefertigt. Das Telefon war voll funktionsfähig , der Schwanz passt perfekt über den Empfänger.

Hummer und Telefone waren keine ungewöhnlichen Motive in Salvador Dalis Arbeit. Ein Telefon erscheint in einem Gemälde, das er im selben Jahr mit dem Titel „Mountain Lake“ schuf, und Hummer wurden in einem Multimedia-Stück mit dem Titel „The Dream of Venus“ verwendet. Die beiden wurden zusammen in einer Zeichnung abgebildet, die Salvador Dalí 1935 in der Zeitschrift „American Weekly“ veröffentlichte. Die Zeichnung zeigte einen entsetzten Mann, der sich mit einem Hummer in der Hand wiederfand, nachdem er nach dem Telefon gegriffen hatte, eine Idee, die in Salvador geblieben zu sein schien Dalís Gedanken für Jahre danach.

Viele Versionen des Objekts wurden erstellt, einige mit Hummer weiß gestrichen und andere rot gestrichene Hummer. In einigen Ausstellungen des Konzepts Ende der 1930er Jahre wurde ein lebender Hummer verwendet. Salvador Dalí schien das zu tun Assoziieren Hummer mit Erotik , sie in „The Dream of Venus“ über weibliche Genitalien zu formen und die Darstellung von zu betitelndie Live-Hummer-Ausstellung „Aphrodisiac Telephone“. Das einzigartige Kunstwerk ist jetzt in der Scottish National Gallery of Modern Art in Edinburgh ausgestellt.

3. Tracey Emins „Mein Bett“ (1998)

Mein Bett von Tracey Emin , 1998, über Tate, London

Ein unordentliches Bett mit verklumpten Laken am Ende. Pappteller, Taschentücher, schmutzige Kleidung, Zigarettenschachteln und Wodkaflaschen daneben. Für einige mag dies eine allzu vertraute Szene sein, aber 1998 zeigte ein Künstler sie als einzigartiges Kunstwerk. Tracey Emin ist eine britische Künstlerin, die 1963 geboren wurde und für ihre zutiefst persönliche, fast konfessionelle Arbeit bekannt ist, bei der sie verschiedene Medien einsetzt, um ihre Botschaft zu vermitteln.

Die Idee zu diesem einzigartigen Kunstwerk kam der Künstlerin in ihrem Bett nach einer schlimmen Trennung Sie erkannte, was für ein quälendes Bild nur etwas so Grundlegendes wie ihr Bett von ihrem Leben zeichnete. Während einige Kritiker und Kunstliebhaber Emin für ihre Verletzlichkeit gelobt haben, erhielt sie viel Gegenwind für „My Bed“ behaupteten einige, es sei egozentrisch, ekelhaft oder gar keine echte Kunst. Trotz der scharfen Kritik lobten einige Emin und ihre Arbeit als gewagte Feministin und behaupteten, dass das Stück ein Licht auf die schmerzhafte Wahrheit wirft, die in den Schlafzimmern von Millionen von Frauen auf der ganzen Welt verborgen ist.

Emin was mit Krebs diagnostiziert im Frühjahr 2020 und unterzog sich im Sommer zahlreichen Operationen und Behandlungen. Auch während sie gegen ihre Krankheit kämpft, bleibt Emin durch ihre Kunst brutal ehrlich, nachdem sie während ihrer gesamten Karriere Themen wie Traumata, Vergewaltigung und Abtreibung diskutiert hat, und behauptet, dass ihre beste Arbeit noch auf dem Weg ist.

4. Marcel Duchamps „Im Voraus des gebrochenen Arms“ (1964)

Vor dem gebrochenen Arm von Marcel Duchamp, 1964 (vierte Fassung), über MoMA, New York

Eine Schneeschaufel, die nur aus Holz und Eisen besteht und von der Decke hängt. Ja, das ist richtig. Marcel Duchamp schuf „In Advance of The Broken Arm“ in einer Reihe einzigartiger Kunstwerke aus alltäglichen, praktischen Objekten. Mit einer Reihe seiner Arbeiten stellte Duchamp die Vorstellung in Frage, dass Künstler ein unglaubliches Können haben müssen oder dass Kunstwerke sogar direkt vom Künstler geschaffen werden müssen. betont Marcel Duchamp die Absicht hinter Kunst der Akt, ein Objekt ins Rampenlicht zu rücken, es als Kunst zu bezeichnen und es für alle sichtbar auszustellen. Diese Haltung spiegelt sich in vielen populären, einzigartigen Kunstwerken der damaligen Zeit wider, wie etwa in Andy Warhols „Campbells Suppendosen“ , eine berühmte Serie von 32 Gemälden, die darstellen Alltagssuppe Dosenetiketten. Stücke wie Warhols geben dem Publikum keine andere Wahl, als sich über das Innenleben des Künstlers zu wundern, und Duchamps Schneeschaufel ist nicht anders.

Installationsansicht von Readymade in Paris und New York , 2019, über MoMA, New York

Marcel Duchamp kämpfte auch gegen die Idee, dass Schönheit ein notwendiges Merkmal der Kunst sei, und unterwanderte viele gängige Vorstellungen über die eigentliche Definition von Kunst. Ein gewöhnliches Objekt, erklärte Duchamp, könne durch die bloße Wahl des Künstlers zur Würde eines Kunstwerks erhoben werden. In der ersten Version des 1915 entstandenen Stücks fügte Marcel Duchamp den Satz From Duchamp am Ende des Titels hinzu, was darauf hindeutet, dass das Kunstwerk nicht gemacht ist durch ihm, aber ein Konzept, das kam aus ihn.

Der Titel des einzigartigen Kunstwerks bezieht sich komischerweise auf die Verwendung der Schneeschaufel und impliziert, dass man ohne das Werkzeug stürzen und sich den Arm brechen könnte, während man versucht, den Schnee zu entfernen. Einzigartige Kunstwerke wie die von Marcel Duchamp haben die Entwicklung der Kunst und ihrer vielen Bewegungen unbestreitbar beeinflusst. Inspirationen von Marcel Duchamp und ihm ähnlichen Künstlern sind noch heute in der Kunst zu sehen, die über fünfzig Jahre nach der Entstehung von „In Advance of The Broken Arm“ entsteht. Das Stück ist derzeit Teil der Sammlung des Museum of Modern Art.

5. Damien Hirsts „The Physical Impossibility of Death in The Mind of Someone Living“ (1991)

Die physische Unmöglichkeit des Todes im Geiste eines Lebenden von Damien Hirst , 1991, über die offizielle Website von Damien Hirst

Der englische Künstler verwendet nur Glas, Stahl, Formaldehyd, Silikon und ein bisschen Monofilament Damien Hirst einen toten Tigerhai in einer weißen Kiste konserviert und als Kunst ausgestellt. Das Tier hängt in einer bläulichen Formaldehydlösung, umrahmt von weißem Stahl, mit Säulen auf jeder Seite, die die Box in Drittel teilen. Der dreizehn Fuß lange Hai starrt mit gefletschten Zähnen geradeaus, bereit zum Angriff. Der Tank ist über zwei Meter hoch und wiegt insgesamt dreiundzwanzig Tonnen.

Ursprünglich in der ersten Ausstellung der Saatchi Gallery ausgestellt Junger britischer Künstler “-Ausstellungen in London erregte die Skulptur große Aufmerksamkeit in der Presse und sprengte die Grenzen der zeitgenössischen Kunst. Hirst wollte mehr als Hai-Bilder, Ich wollte nicht nur einen Leuchtkasten oder ein Bild von einem Hai, stellte er klar und drückte aus, dass er etwas Reales wollte, um dich zu erschrecken. Indem er den Betrachter mitten in seinem friedlichen Galeriebummel mit einem so alarmierenden Anblick konfrontierte, zwang Hirst sein Publikum, sich dem Unvermeidlichen zu stellen. Du versuchst, den Tod zu vermeiden, aber es ist so eine große Sache, dass du es nicht kannst. Das ist das Erschreckende, nicht wahr? sagte der Künstler. Der Tod ist ein häufiges Thema in Hirsts Werk, darunter eine Reihe von toten Tieren Schaf und Kühe in anderen Stücken von ihm gezeigt.

Die physische Unmöglichkeit des Todes im Geiste eines Lebenden von Damien Hirst , 1991, über die offizielle Website von Damien Hirst

Selbst mit einem Hai direkt vor dem Betrachter, dessen Kiefer perfekt in Vorbereitung auf den Biss positioniert sind, bleibt das vollständige Verständnis des Todes und seiner Beständigkeit eine Herausforderung. Die Realität eines Tieres, das das Leben von Menschen bedroht, eines Tieres, das selbst tot ist, mit dem Wissen, dass der Hai einst lebte und nahezu perfekt erhalten ist, zwingt uns dazu, uns unserer eigenen Sterblichkeit zu stellen. Ob das Stück diese Aufgabe jedoch nicht erfolgreich erfüllt, steht zur Debatte.

T er New York Times schrieb 2007, dass Mr. Hirst oft darauf abzielt, den Geist zu braten (und mehr verfehlt als trifft), aber er tut dies, indem er direkte, oft viszerale Erfahrungen schafft, von denen der Hai die herausragendste bleibt. In Übereinstimmung mit dem Titel des Stücks ist der Hai gleichzeitig Leben und Tod auf eine Weise verkörpert, die Sie nicht ganz begreifen, bis Sie ihn schwebend und stumm in seinem Tank sehen.

Das Vermächtnis einzigartiger Kunstwerke

Mein Bett von Tracey Emin, 1998, über Tate, London

Ungewöhnliche und unkonventionelle Kunstwerke wie die von Tracey Emin und Song Dong haben die Kunstwelt stark beeinflusst. Indem sie die Idee, was Kunst ist, infrage stellen, haben diese Künstler Künstlern auf der ganzen Welt neue Möglichkeiten eröffnet. Während einige darüber spotten mögen zeitgenössische Kunst , sind die beeindruckenden Darbietungen von Talenten, die in Museen gezeigt werden, nicht alles, was der Oberbegriff „Kunst“ umfasst. Kritiker der zeitgenössischen Kunst sagen oft, dass Stücke nicht in Museen ausgestellt werden sollten, wenn eine Person mit durchschnittlichen künstlerischen Fähigkeiten das Stück replizieren könnte, aber diese Idee lässt immer noch die Frage nach dem Warum offen.

Nicht-traditionelle Kunst erlaubt es dem Publikum nicht, wegzugehen, ohne zuerst die Absichten des Künstlers hinter jedem einzelnen Kunstwerk zu berücksichtigen. Mehr als alles andere werfen einzigartige Kunstwerke das Rampenlicht auf den Zweck, den jeder Künstler im Sinn hatte, ein intimes Geständnis des Künstlers an den Betrachter, das weit über die physischen Materialien hinausgeht, die zur Erstellung des Stücks verwendet wurden.