5 Merkmale, die die Rokoko-Kunstbewegung definiert haben

Die französische Seite der Rokoko-Kunstbewegung repräsentierte nur einen Bruchteil dessen, was das Rokoko insgesamt zu bieten hatte. Von Satire und Häuslichkeit bis hin zu Religion, hinter dieser Bewegung steckt so viel mehr als das, was die flauschigen, anzüglichen und pastoralen Werke von Fragonard oder Boucher glauben machen wollen. Das Rokoko war mehr als nur sinnlose Angelegenheiten und das noble Leben der Aristokratie. Es ist viel vielschichtiger als man denkt!

1. Häuslichkeit und Weltlichkeit in der Kunst des Rokoko

Der gnädige Hirte , von François Boucher, 1736-1739, gescanntes Bild aus der europäischen Kunst des 19. Jahrhunderts: Dritte Ausgabe

Was ist daran so faszinierend Jean-Baptiste-Simeon Chardin ist, dass er sich wie ein frühes Vorwort zu dem anfühlt Realistische Bewegung . Es gibt eine Weichheit in seinen Gemälden, die immer noch einen Hauch von Wärme ausstrahlt, den die Aristokratie von Kunst mit Menschen der Unterschicht als Thema sehen möchte. Das Fehlen von Verzierungen und dramatischen Details lässt es jedoch als das am wenigsten diskutierte Rokoko-Stück erscheinen, insbesondere von Französisches Rokoko Normen.

Die Kunst des französischen Rokoko war vor allem für Frivolität und Romantisierung des Alltags bekannt, wurde aber selten so banal behandelt wie Chardin. Am anderen Ende des Spektrums war François Boucher, der sich darin auszeichnete, den Alltag zu romantisieren und ihn für die Reichen und Reichen greifbar und attraktiv zu machen. Seine Arbeit Der gnädige Hirte ist ein perfektes Beispiel. Obwohl Chardin Franzose war, ging er mit seiner Arbeit in eine ganz andere Richtung.

Anmut von Jean-Baptiste-Simeon Chardin , 1740, über die Louvre Collections Website

Seine Anmut konzentrierte sich auf die Häuslichkeit der bürgerlichen Klasse, wie viele seiner Werke, die die Aristokratie anzogen. Diese eher banale und bescheidene Arbeit unterschied sich so sehr von dem, was während des französischen Rokoko typisch war, dass die Aristokratie nicht anders konnte, als sich dafür zu interessieren. Es zeigt eine Mutter, die ihre Kinder ermutigt, während des Mittagessens ihr tägliches Gebet zu sprechen, und es offenbart eine Bescheidenheit Dritter Stand Familienleben, das bewundernswert war.

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Während dieser Zeit gab es wenig bis gar keine Dokumentation der Verarmten durch Kunst, weil es kein Thema war, das für die Augen der Reichen und Reichen als angemessen erachtet wurde; Als sie dieses Gemälde zum ersten Mal sahen, nahmen sie an, dass es sich um eine Bauernfamilie handelte und nicht um eine anständig wohlhabende Arbeiterfamilie. Der größte Teil der Oberschicht lebte in dieser Hinsicht ein Leben der Unwissenheit und Annahmen.

Anmut (Nahaufnahme) von Jean-Baptiste-Siméon Chardin , 1740, über die Louvre Collections Website

In dieser Arbeit wird noch deutlicher, dass Chardin eine Vorliebe für Realismus und Liebe zum Detail hat, wenn er das einfache Detail des Dampfes betrachtet, der über das Essen gegeben wird. Dieser Sinn für Realismus lässt den Betrachter glauben, dass Chardin dort war und diese Familie mit eigenen Augen gesehen hat. Er war in der Lage, mit Sorgfalt eine genaue Darstellung des weltlichen häuslichen Lebens zu zeigen. Es gibt auch den Topf unten rechts, der leichte Glanz am Rand und der Anlauf können Ihnen helfen, das Gefühl zu haben, eine Szene und kein Bild zu beobachten.

Stillleben mit Glaskolben und Früchten von Jean-Baptiste-Simeon Chardin , 1728, via Staatliche Kunsthalle Karlsruhe

Ein weiterer überraschender Aspekt von Chardins Rokoko-Werken war, dass sie reflektierten Holländisches Stillleben Gemälde. Seine Stillleben mit Glaskolben und Früchten ist ein weiteres Stück, das seine immense Liebe zum Detail weiter unterstreicht. Von den Graten der Frucht bis zu ihrer Spiegelung in der Flasche stellte Chardin sicher, dass er jedes Detail mit seinem Pinsel dokumentierte. Etwas, das leicht hätte übersehen werden können, wie die verzerrte Reflexion der Orange in der silbernen Tasse, wurde fachmännisch gerendert. Während die typische französische Rokoko-Kunst detailorientiert ist, war sie nie für so banale Themen gedacht, und Chardin enthüllte eine andere Art, wie das Rokoko dargestellt werden könnte.

2. Religiöse Bilder und epische Fresken

Die Unbefleckte Empfängnis von Giovanni Battista Tiepolo , 1767-1769, über das Prado-Museum, Madrid

Wenn Sie sich die französische Rokoko-Kunst ansehen, gibt es normalerweise nicht diese Aufmerksamkeit für religiöse Ikonographie und Bildsprache, es sei denn, dies ist der Fall irgendetwas mit den griechischen und römischen Göttern zu tun. Christliche und katholische Bilder waren jedoch überhaupt nicht vorherrschend. Sicherlich gingen die Leute in die Kirche und freuten sich jeden Tag über ein gutes Fresko, aber in ihrer Freizeit war Frömmigkeit die geringste Sorge, weil es zu viel Spaß zu haben gab!

Dies könnte als ironisch angesehen werden, weil Sie Stücke wie haben Die Unbefleckte Empfängnis des italienischen Rokoko-Künstlers Giovanni Battista Tiepolo . Ausgehend von der Annahme, dass er wie die Mehrheit seiner venezianischen Kohorten Katholik war, sollte es nicht verwundern, dass er religiöse Bilder ernst nahm und die Werke der Katholiken schätzte Kunstepochen der Klassik und der Hochrenaissance , was in seiner Arbeit stark zum Tragen kommt.

Einrichtung des Rosenkranzes von Giovanni Battista Tiepolo, 1738-1739, gescanntes Bild aus der europäischen Kunst des 19. Jahrhunderts: Dritte Ausgabe

Seine Einrichtung des Rosenkranzes ist eine wunderbare Mischung aus Rokoko-Kunst und den Klassikern. Im Gegensatz zu seinen früheren Arbeiten in seiner Phase des Experimentierens und Tenebrismus hat es die vom Rokoko erwartete Leichtigkeit und Luftigkeit. Die Veränderung kann seiner Faszination für die Werke von zugeschrieben werden Paolo Veronese im Undinenpalast gesehen. Dieses Deckenfresko erinnerte an das Aufkommen von Andachtspraktiken in der katholischen Kirche, vom Gebet bis zur Meditation, die durch den Rosenkranz unterstützt wurden. Das Fresko erweckt die Illusion, in den offenen Himmel zu blicken, jenseits des frühen Reiches. Er verwendet nahtlos optische Täuschung während des gesamten Gemäldes.

Einrichtung des Rosenkranzes (Nahaufnahme) von Giovanni Battista Tiepolo, 1738-1739, gescanntes Bild aus der europäischen Kunst des 19. Jahrhunderts: Dritte Ausgabe

Dieses Kunstwerk enthält so viele Details, weil es die tatsächliche Institution des Rosenkranzes als epische Geschichte vermittelt. Am oberen Ende der Treppe überreicht der heilige Dominikus Rosenkränze an diejenigen, die dem Schmerz und der Sünde des irdischen Reiches entfliehen und durch religiöse Praxis und Glauben im Himmel willkommen geheißen werden möchten. Unten, wenn Sie genau hinsehen, gibt es eine verblichene, gespenstisch aussehende Hand, die aus der Dunkelheit auftaucht, als wollte sie ebenfalls in den Himmel aufsteigen.

Dies wird durch die Jungfrau Maria und das Christuskind deutlich, die mit Engeln im Reich des Himmels über ihm schweben. Die Illusion, dass der Boden aus dem Fresko verschüttet wird, verbindet das Gemälde mit den Betrachtern, indem es unser Reich berührt und Interesse weckt. Durch seine Technik wird die Kunst selbst zur visuellen Metapher; es lenkt unsere Augen, um den Transport der Seele zu sehen, der durch die Religion von der Erde zum Himmel geführt wird.

Einrichtung des Rosenkranzes (Nahaufnahme II) von Giovanni Battista Tiepolo, 1738-1739, gescanntes Bild aus der europäischen Kunst des 19. Jahrhunderts: Dritte Ausgabe

Schließlich gibt es die Theorie, dass dieses Fresko als religiöse Propaganda gedacht war. Dieses Kunstwerk ist eine Antwort auf die Gegenreformation der Kirche. Die Verwendung von verlockenden Bildern und Trompe-l’œil diente dazu, dass die katholische Kirche mehr Menschen aus dem protestantischen Glaubenssystem, das ein Ergebnis der Reformation war, zurückbringen konnte. Im protestantischen Glauben gibt es die Überzeugung, dass es keine Notwendigkeit für Bilder im Glauben gibt, die so romantisiert sind wie im katholischen Glauben. In dieser Hinsicht kann man sagen, dass die Kirche die Oberhand hatte, weil es aufgrund der menschlichen Neugier mehr Trost im Bekannten statt im Unbekannten gab. Die Verwendung seiner Arbeit auf diese Weise bringt Tiepolo mehr in Einklang mit den unerschütterlichen Idealen von William Hogarth, der bedeutete, Botschaften durch Kunst zu senden, anstatt nur an die Launen der Aristokratie zu appellieren.

Die Apotheose der spanischen Monarchie von Giovanni Battista Tiepolo , 1760er, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Die Apotheose der spanischen Monarchie ist eher das, was man von der religiösen Bildsprache der Rokoko-Kunstbewegung erwarten würde, aber selbst dann verändert die epische Natur das Gewicht des Freskos. Eine Venus Modesta beiläufig zu sehen, ist nicht dasselbe wie zuzusehen, wie Ihre Monarchie mit den Göttern gleichgesetzt wird. Tiepolos Fresken trugen dazu bei, den Einfluss der katholischen Kirche und die Macht der Lehren Gottes wieder zu stärken. Nicht nur das, er half, Aristokraten zu erheben, anstatt sie nur zu unterhalten und zu schmeicheln.

3. Alltagstheatralik im französischen Rokoko

Zerbrochene Eier von Jean-Baptiste Greuze , 1756, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Wie Chardin sehen wir in der Kunst von Jean-Baptiste Greuze Einblicke in den Alltag. Im Gegensatz zu Chardin Greuse dramatisiert das Leben ganz normaler Menschen, anstatt es nur beiläufig darzustellen. Es gibt mehr Theater, als man von der Rokoko-Kunstbewegung erwartet. Seine Gemälde haben eher ein neoklassizistisches Gefühl als die Werke von Chardin, was dem oberflächlichsten Interesse der wohlhabenden Bevölkerung am Leben der Mittelschicht Glauben schenkt.

Der Adel wollte vor allem unterhalten werden. Genauigkeit spielte keine Rolle, was zählte, war die Geschichte und der ästhetische Reiz, weshalb die Werke von William Hogart verblüfft und beleidigt viele. Greuzes Zerbrochene Eier handelt von der Empörung einer Familie über den Verlust der Jungfräulichkeit ihrer Tochter. Durch die herumgestreuten zerbrochenen Eier wird also eine Metapher vermittelt, die die Aristokraten in ihrem Skandal als unterhaltsam empfanden. Greuze appellierte noch immer an das Drama, das die Reichen am französischen Rokoko liebten.

Der Fluch des Vaters – Der undankbare Sohn von Jean-Baptiste Greuze , 1777, über die Website der Louvre Collections

Der Fluch des Vaters – Der undankbare Sohn ist ein weiteres Paradebeispiel für die Skandalszenen, von denen die Aristokratie lebte. In diesem Gemälde möchte der Sohn seine Familie zurücklassen, um zum Militär zu gehen, während seine ganze Familie dagegen ist. Aus diesem Gemälde gehen Wut, Frustration und Angst hervor. Erheiterung gibt es auch, wenn man ganz nach rechts schaut, wo der Freund des Sohnes sich über die Absurdität des Augenblicks unterhalten schaut. Die dramatischen Bewegungen, die Greuze schafft, erinnern an Neoklassik und Barock- Werke, die ebenfalls auf einer oberflächlichen und allegorischen Ebene unterhalten. Durch diesen Effekt konnte Greuze das Leben der Unterschicht verbessern.

4. Innovative Porträts und Motive

Allegorien der vier Kontinente: Personifikation Amerikas von Rosalba Carriera , vor 1720, über The Cooper Hewitt Collection

Was setzt Rosalba Carrieras Abgesehen von der Arbeit von De La Tours und dergleichen, ist ihre feine Subtilität, wenn es darum geht, wie sie Farben und Liebe zum Detail mischt, ohne ihre Motive vollständig zu idealisieren. Sie Allegorien der vier Kontinente Serie ist ein gutes Beispiel dafür. Ihre Kunstwerke sind ein Gleichgewicht zwischen realistischer und idealer Form, im Gegensatz zu vielen französischen Rokoko-Werken, die nur die ideale Form vermitteln wollen. Sie legte auch Wert darauf, kleine Details in ihren Pastellen zu verwenden, um einen Einblick in die Angelegenheiten ihres Motivs zu geben, anstatt alles preiszugeben, wie es viele Rokoko-Stücke taten. Es ist offensichtlich, dass sie eine begrenzte Palette verwendet hat, um dieses Maß an Ausgewogenheit und Einheit in den einzelnen Werken zu erreichen.

Allegorien der vier Kontinente: Personifikation Afrikas von Rosalba Carriera , vor 1720, über die Website The Smithsonian

Im Gegensatz zu vielen Malern vor ihr hatte Carriera keine Bedenken, fremde Motive beiläufig zu malen. Es scheint, dass jedes Mal, wenn ein Ausländer dargestellt wurde, dies daran lag, dass er starb, verleumdet, verarmt oder sexualisiert wurde, aber Carriera gab ihren Zuschauern etwas anderes. Das soll nicht heißen alle Künstler blieben jedoch in diesen Boxen. Porträt von Jean-Baptiste Belley von Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson ist ein schönes Beispiel dafür, wie man einen fremden Gegenstand respektvoll malt. Aber dann hast du am anderen Ende seins Der Aufstand von Kairo , das heißt Krieg und Tod und die Verleumdung fremder Menschen. Carriera trug zu den subtileren Aspekten des Rokoko anstelle des Dramas und der minimalen Ausstattung bei und inspirierte wahrscheinlich Leute wie Chardin mit der Art und Weise, wie sie ihre Motive einfacher darstellte als ihre Kollegen.

5. Urteil und Zynismus in der Kunst des Rokoko

Vor von William Hogart , 1736, über das Metropolitan Museum of Art New York

William Hogarth, der Rokoko-König der Bitterkeit und Satire, ist ein Paradebeispiel für die Menschen nicht denken Sie darüber nach, wenn sie an Rokoko-Kunst denken. Es gibt keinen Schnickschnack, keinen Zuckerguss, nur die rohe Wahrheit des Lebens in der Oberklasse. Wenn wir von William Hogarth mit Frauenbildern versorgt werden, sind sie entweder elend oder in einem Zustand der Manie dargestellt. Er zeigt Frauen auf eine Weise, in der sie nie glücklich sind oder wenn sie es sind, ist es im Wesentlichen die Ruhe vor dem Sturm. Diese Tändelei ist nichts wie die Werke von Jean-Honoré Fragonard . Das ist keine Romantik, nur das Unbehagen einer Frau und der Drang eines Mannes, seine sexuellen Triebe zu befriedigen, unabhängig davon, wie sich die Frau fühlt. Im Vor, Noch deutlicher wird der Mangel an Enthusiasmus der Frau aus dem Buch über Frömmigkeit in ihrer Eitelkeit.

Nach von William Hogart , 1736, über das Metropolitan Museum of Art, New York

Hogarths andere Radierung, passend benannt Nach ist Teil zwei von Vor . Der Affäre, die als typisch für die Kunstbewegung des Rokoko gilt, fehlt es an Würze und Flaum. Es scheint nicht so, als ob die Frau sich amüsiert hätte, nur der Mann hatte sich satt gefühlt und zog seine Hose in Eile hoch, um zu gehen. Seinecharakteristische Verwendung des Hundesvermittelt die Instabilität in ihrer Beziehung, zuerst in Vor mit wildem Bellen der beiden, dem abgewandten Hund in dieser Arbeit, mit leiser Zustimmung, aber Enttäuschung. Es ist keine Überraschung, dass der Kern von Hogarths Interpretation des Rokoko im Wesentlichen alles vom französischen Rokoko auf den Kopf stellt. Er war versessen darauf, die Rokoko-Kunstbewegung in all seinen zynischen Kunstwerken zu verändern.