4 Künstler, die ihre Kunden offen hassten (und warum das erstaunlich ist)

Michelangelo Buonarroti (1475–1564) von Daniele daVolterra , wohl um 1545; Diego Rivera in Detroit , 1932-33, über The Detroit News; Selbstporträt von Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson , Anfang des 19. Jahrhunderts, über The Hermitage Museum, Sankt Petersburg; Porträt von Edouard Manet

In der Vergangenheit sind viele Künstler mit ihren Kunden aneinandergeraten—sie tun es immer noch. Seien es Unterschiede in der Ideologie oder im Geschmack, Künstler neigen dazu, voreilige und manchmal urkomische Entscheidungen zu treffen, um etwas zu sagen. Von der Renaissance bis zur modernen Kunstbewegung, von Italien bis Mexiko haben Künstler es nie auf die leichte Schulter genommen, wenn ihre Arbeit beleidigt oder ihr Glaube in Frage gestellt wird, und dazu gehören auch die Menschen, die es zu erforschen gilt.

1) Michelangelo Buonarroti: Der unberührbare Renaissance-Künstler

Michelangelo Buonarroti (1475–1564) von Daniele daVolterra , wahrscheinlich um 1545, über The Metropolitan Museum of Art, New York

Michelangelo ist bekannt für viele tolle Stücke- von seinem David zu seinen Gemälden auf der Sixtinische Kapelle an der Decke – was ihn als Virtuosen der bildenden Kunst zementierte, aber sein Können war nicht das Einzige, was seine Werke so großartig machte. Im Das Jüngste Gericht , in der Sixtinischen Kapelle gibt es eine kühne Aussage des Künstlers über eine bestimmte Person.

War es der Auftraggeber, Papst Clemens VII. (Giulio di Giuliano de’ Medici)? Nein, aber es war jemand, der dem Papst nahe stand. Michelangelo hatte eine dauerhafte und insgesamt angenehme Beziehung zur Familie Medici (mit Ausnahme der Zeit, in der er sie verriet, was ihm vergeben wurde) und diente insgesamt vier großen Namen. Drei von ihnen waren Päpste während die Herrschaft der Medici , die während Michelangelos Zeit in der Sixtinischen Kapelle stattfand – was Biagio Martinellis Beschwerden umso amüsanter macht.

Biagio Martinelli war der amtierende päpstliche Zeremonienmeister unter dem ersten und zweiten Medici-Papst, Papst Leo X. (Giovanni di Lorenzo de’ Medici) und Papst Clemens VII., die alte Schulkameraden von Michelangelo waren. Das Jüngste Gericht wurde unter der Herrschaft von Papst Paul III. (Alessandro Farnese) vollendet, der am Hof ​​der Medici und Nachfolger von Papst Clemens VII. ausgebildet wurde. Die Vergeblichkeit dessen, was er später versucht, ist umso amüsanter durch die Verbindung zwischen all diesen Männern.

Unterer rechter Abschnitt von Das Jüngste Gericht von Michelangelo, 1536-1541, über Musei Vaticani, Vatikanstadt

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Gemäß Norman E. Land’s Eine kurze Geschichte der Geschichte von Michelangelo und Biagio da Cesena , Martinelli war kein Fan von Das Jüngstes Gericht während seiner Konzeption, die besagt, dass es unentgeltliche Mengen an Nacktheit gab, und verurteilte sie.

Michelangelo nahm das nicht auf die leichte Schulter.

Er beschloss, Martinelli in der Hölle darzustellen, völlig nackt mit einer Schlange, die sich in seine Genitalien beißt, und um die Verletzung noch schlimmer zu machen, legte er Wert darauf, dem päpstlichen Meister dämonische Züge zu verleihen. Es war Michelangelos Art, den Mann öffentlich zu brüskieren, der es wagte, sein Werk zu beleidigen. Martinelli versuchte zu holen das bestimmten Teil von Papst Paul III entfernt, aber wie Papst Clemens VII vor ihm stand Papst Paul III auf gutem Fuß mit Michelangelo und verteidigte Das Jüngste Gericht .

Er sagte Martinelli im Wesentlichen, dass sich seine Macht nicht bis zur Hölle erstreckte, also sei nichts zu tun, um den päpstlichen Meister von dort zurückzuholen, was absolut erstaunlich ist. Was der Papst wörtlich sagte, war:

Messer Biagio, du weißt, dass ich von Gott Macht im Himmel und auf Erden habe; aber meine Autorität reicht nicht bis in die Hölle, und du musst Geduld haben, wenn ich dich nicht von dort befreien kann.

Unbedingt brutal . Martinelli diente vier Päpsten, aber keiner hatte ihn so missachtet. Was Martinelli hätte erkennen müssen, war, dass der Mann an diesem Punkt in Michelangelos Karriere mit seinen enormen Verbindungen unantastbar war.

Hätte Martinelli Michelangelos Werk nicht so grob zurechtgewiesen, hätten wir nicht eine so urkomische Geschichte mit einem ebenso urkomischen Abschnitt eines Meisterwerks verbunden bekommen.

2) Édouard Manet: Die Reichen untergraben

Mittagessen auf dem Gras von Edouard Manet , 1863, über Musée d’Orsay, Paris

Wer genau waren Manet Kunden von ? Nun, sie waren die Reichen und Anspruchsvollen. Der Künstler malte viele kontroverse Stücke während der Realistische Bewegung , und der einzige Grund, warum sie umstritten waren, war, weil sie die Reichen bloßstellten. Manet hatte eine Abneigung gegen die wirtschaftliche Ungleichheit zwischen Arm und Reich und er hasste die Tatsache, dass die Reichen glaubten, dass sie über allem standen– unantastbar. Seine Stücke versuchten zu vermitteln, wie unwahr das war.

Manets Mittagessen auf dem Gras wurde gemalt, um soziales Bewusstsein zu schaffen, wie viele seiner Stücke. Dieses Stück sollte die Oberschicht outen und sich fast über sie lustig machen. Er wollte, dass dieses Stück ein Spiegelbild der Menschen ist, die es sehen würden– die Anständigen und Reichen, die ich zuvor erwähnt habe. Die Realismusbewegung lehnte die klassischen Normalitäten in der Kunst ab und suchte einen groben und rohen Ansatz.

Zunächst einmal sehen die Menschen in dem Stück nicht einmal so aus, als gehörten sie in die umgebende Landschaft. Natürlich sind sie naturgetreu gemalt, aber sie sehen nicht so aus gehören in der Umgebung aufgrund ihrer Ebenheit vor dem Hintergrund. Dann kommt das Frau, die im Wasser badet, eines von zwei größeren Themen in dem Stück, das die Reichen entsetzte. Die Perspektive der badenden Frau ist weit entfernt, aber Manet hat sich entschieden, sie größer zu machen und mehr im Hintergrund hervorzuheben.

Denn er wollte Salz in die Wunde streuen. Das Stück war nicht nur nicht klassisch proportioniert, sondern die Frau im Hintergrund badet nicht wirklich. Auf die Frage, was diese Frau mache, sagte Manet tatsächlich, dass sie pinkelte, um die Verletzung noch schlimmer zu machen. Er malte sie auf eine Weise, um die grandiosen Menschen zu schockieren, die den Salon besuchten.

Die blonde Odaliske von Francois Boucher , 1752, via Alte Pinakothek Gallery, Munich

Die zweite Beleidigung war definitiv die nackte Frau, die lässig neben zwei gelehrten Herren saß und ihre Unterhosen mit dem Picknick verstreut hatte. Manet legte Wert darauf, die Frau im Vordergrund nackt und nicht nackt darzustellen. Ein Akt ist der idyllische Körper in seinem natürlichen Zustand, so etwas wie François Boucher 's Rokoko Malerei Die blonde Odaliske , zum Beispiel. Im Vergleich dazu winkt Manets Frau den Betrachter suggestiv zu ihrem Mittagessen.

Der einzige Grund, warum er überhaupt eine nackte Frau in dem Stück hat, ist, dass sich die Leute darüber beschwert haben, dass er nicht genug Akte gemalt hat, also im Jahr zuvor Mittagessen auf dem Gras abgeschlossen sei, sagte er zu seinem Freund Antonin Proust , Gut, ich werde sie nackt machen … Dann nehme ich an, dass sie mich wirklich in Stücke reißen werden … Ah, nun, sie können sagen, was sie wollen. Diesem Mann war es egal, was die Reichen über seine Stücke zu sagen hatten, und das zeigte sich.

Er entschied sich dafür, das zu verspotten, was die Leute normalerweise im Salon sehen würden, im Gegensatz dazu, wie die Reichen ihre Zeit tatsächlich verbringen. Er hat sogar einen gezogen Ingr und stand ihr gegenüber schmutziger Fuß gegenüber dem Publikum, wenn seine Absicht nicht deutlich genug gewesen wäre. Dieses Stück war technisch nicht aufschlussreich, aber die Reaktion der Zuschauer zeigte, dass es eine tiefsitzende gesellschaftliche Heuchelei gab. Schade, dass es vom Salon abgelehnt wurde.

Olympia von Edouard Manet , 1863, über Musée d’Orsay, Paris

Ein weiteres Werk, das die Reichen und Angesehenen bis ins Mark erschütterte, war das von Manet Olympia. Dies war ein Stück, das tat schafften es in den Salon und die Zuschauer waren empört. Das Stück war berüchtigt und musste im Salon höher aufgehängt werden, damit es nicht von Gönnern brutal behandelt wurde. Das Olympia sollte eine ehrliche Interpretation einer angeseheneren und gebildeteren Prostituierten, einer Kurtisane, sein.

Warum beleidigte das die Gönner? Na ja, weil es ein bisschen zu nah an zu Hause getroffen hat. Sie war der Ehemann von High-Society-Frauen eigentlich gaben Geld aus, verbrachten Zeit mit und schätzten manchmal mehr als ihre Frauen. Das Gemälde vermittelt, dass sie, auch wenn sie nicht die Schönste und Eleganteste ist, diejenige ist, zu der ihre Ehemänner laufen, weil sie mehr ist als das, zu dem die High Society diese Frauen geformt hat. Manet hat sich nicht zurückgehalten und es ist schön . Er hat sich wie eine geschmückte Prostituierte lümmeln lassen Tizian 's Venus von Urbino als wollte sie sagen: Ja, sie ist besser als du und sie weiß es. Er erhob mühelos eine Kurtisane zu einer Göttin und erniedrigte die Zuschauer zu nichts als bloßen Anhängern ihrer Launen und Verführungen.

Manet spielte nicht herum, als er seine Ansichten über die Reichen und ihre Ideale äußerte. Diese Stücke treffen kompromisslos hart und sind phänomenal in ihrer Heiterkeit und Selbstgefälligkeit!

3) Diego Rivera: Kommunistische Symbolik

Mann am Scheideweg Pläne von Diego Rivera , 1932, über MoMA, New York

Diego Rivera entwarf und startete ein Wandgemälde für die Rockefellers in New York City. Er hat ihnen definitiv ein schönes Kunstwerk geschenkt. Als er jedoch aufhören musste, daran zu arbeiten, gab er den Rockefellers nicht unbedingt das, was er ihnen verkauft hatte. Er sollte im Rockefeller Center ein Wandbild malen, das die Macht des Kapitalismus über den Sozialismus darstellt. Die Rockefellers waren von der Idee restlos begeistert und nachdem sie Riveras Skizze genehmigt hatten, Mann am Scheideweg , begann er sein Fresko für sie. Sie wussten, Rivera war ein Kommunist Aber sie dachten nicht, dass es ein Problem sein würde, wenn überhaupt, wollten sie nur einen beliebten Künstler, mit dem sie für ihr Gebäude arbeiten könnten.

In jeder Hinsicht hatten sie Recht und Rivera gab ihnen, was sie wollten, bis die New York World-Telegram , sagte, dass das Stück von Natur aus antikapitalistisch sei. Ein großer Fehler ihrerseits, wenn man bedenkt, wie es letztendlich zu einer Verschwendung von Zeit und Ressourcen wurde. Rivera, wie der beleidigte Künstler, der er war, brüskierte schließlich die Zeitung und malte Lenin sowie die sowjetisch-russische Mayday-Parade in das Stück. Das ging nach hinten los, da die Rockefellers es nicht gut fanden, dass er das in ihre Lobby stellte Gebäude.

Mensch, Kontrolleur des Universums von Diego Rivera , 1934, über das Museum des Palastes der Schönen Künste, Mexiko-Stadt

Die Rockefellers baten ihn, es zu ändern, aber er rührte sich nicht. Aus diesem Grund wurde das Original zerstört, da Rivera auf einem Fresko bestand, das also nicht einfach verschoben werden konnte. Was vom ursprünglichen Konzept übrig geblieben ist, befindet sich in seinem Mensch, Kontrolleur des Universums , die er in Mexiko gemalt hat.

Die Rockefellers besitzen eines der größten Vermögen der Welt und könnten daher leicht als kapitalistische Könige betrachtet werden Natürlich Rivera nutzte die Gelegenheit, um kommunistische Propaganda in eines ihrer Gebäude zu stellen. Er kam nicht unbedingt auf sie zurück, aber er bewies den Medien einen Punkt. Anscheinend sagte Rivera: Wenn du den Kommunismus willst, werde ich den Kommunismus malen. Klingt vertraut, oder? Manet hat definitiv genau dasselbe mit seinem gemacht Mittagessen auf dem Gras . Der Künstler ließ die Medien und den Kapitalismus selbst zum sprichwörtlichen Vogel werden.

Natürlich würde es die Rockefellers beleidigen, da der Kapitalismus die Grundlage ihres Reichtums und Erfolgs ist, aber das war ihm egal. Das Unverfrorenheit Rivera hatte, ist erstaunlich. Wie Manet fürchtete er die Konsequenzen nicht, da ihre Reaktionen wahrscheinlich nur seinen Standpunkt bestätigten. Sie fürchteten die kommunistische Ideologie, was etwas war, was Diego Rivera fest für eine gute Sache hielt, also ging er voran und malte es in Mexiko, um zu beweisen, dass er seinen Glauben niemals ändern würde und er seine Entscheidung nicht bereute. Was für ein Kraftakt.

4) Anne-Louis Girodet De Roussy-Trioson: Die Rache des Künstlers

Fräulein Lange als Venus by Anne-Louis Girodet de Roucy-Trisson, 1798, currently on view at the Museum der bildenden Künste Leipzig

Nun zur Inspiration für diesen ganzen Artikel, Girodet. Die Künstlerin wurde von Mademoiselle Lange beauftragt, ein Portrait von ihr anzufertigen. Er malte Fräulein Lange als Venus und sie hasste es absolut. Ich nehme an, dass sie es geschmacklos fand, weil sie in dem Stück fast narzisstisch wirkt, Amor, der den Spiegel hält, der seiner Mutter hilft, aber auch ihrer Selbstliebe und Eitelkeit hilft. Es gibt nie einen klaren Grund, warum sie das Stück nicht mag, aber das ist nur meine allgemeine Vermutung.

Die Geburt der Venus von Sandro Botticelli , 1485, über die Uffizien, Florenz

Für ein bisschen Kontext, Mademoiselle Lange war eine junge Entertainerin, die ein bisschen wie eine Goldgräberin war. Sie arbeitete im Theater und wegen einer Produktion, die royalistische Konnotationen zu haben schien, wurden die Schauspieler und der Autor des Stücks verhaftet. Nach zwei Jahren Haft entkam sie der Guillotine, weil sie Freunde in höheren Positionen hatte, was wahrscheinlich an ihrer verführerischen Natur und ihrer Bereitschaft liegt, für Geld zu locken.

Die Toilette der Venus („The Rokeby Venus“) von Diego Velázquez , 1647, über die National Gallery, London

Girodet malte sie, wie sie drin war seine Augen, mit Meisterwerken wie Geburt der Venus von Sandro Botticelli und Die Toilette der Venus von Diego Velázquez als Referenz. Er war ein Künstler, der sich von der klassischen Kunst inspirieren ließ seine Ausbildung mit dem Neoklassizisten Jacques-Louis David ,während immer noch ein Vorreiter der Französische romantische Kunstbewegung . Mit einem solchen Hintergrund versuchte er, dem Stück einen Hauch von Laune zu verleihen, während er einen klassischen Ton beibehielt und ein wunderschönes Kunstwerk schuf. Im Grunde hätte sie dieses Stück lieben sollen, aber stattdessen weigerte sie sich, Girodet zu zahlen, was ihm geschuldet wurde, und befahl ihm, es abzunehmen. Als Antwort riss Girodet das Stück auseinander und schickte es ihr zurück und malte dann etwas absolut toll.

Mademoiselle Lange als Danaë von Anne-Louis Girodet de Roucy-Trisson , 1799, über das Minneapolis Museum of Art

Dieses Stück sollte sie ärgern. Es war ein satirisches Gemälde seiner Venus und es trieft vor Symbolik:

Er zeigt Lange als Prostituierte, die Goldmünzen in einem Blatt sammelt. Die Goldmünzen sind parallel zur Geschichte von Danaë und Zeus, die repräsentativ für ihren Mangel an Treue ist (Sie war dafür bekannt, für Geld zu heiraten).

Unten rechts ist eine Maske mit ähnlichen Merkmalen wie ein Liebhaber von ihr, ein Lord, mit einer Goldmünze im Auge, muss ich mehr sagen?

Dann verspottete er ihren Ehemann Simmons – ihren letzten Liebhaber – als eine Türkei, die einen Ehering trägt und Jupiter oder sein soll Zeus , aber er versuchte, ihre Wahl des Liebhabers zu beschämen und dass sie ihn nur für Geld geheiratet hatte.

Amor sieht das Publikum suggestiv an, hilft ihr beim Sammeln der Münzen, ermutigt sie zur Untreue und lädt das Publikum ein, eine einfache Frau zu erleben.

Dann endlich der zerbrochene Spiegel. Es vermittelt, dass sie sich nicht so akzeptiert, wie sie ist, sich selbst nicht sehen kann und wie Girodet sie sieht, eine ehebrecherische, eitle und gierige Person.

Girodet hielt nichts zurück. Dieser Mann war wütend und absolut gekränkt, was in einem wunderbar urkomischen Stück gipfelte, das so viele Referenzen und Symbole enthält, dass ich sicher bin, dass den Gönnern des Salons die Köpfe schwirrten.

Das ist absolut das Beispiel dafür, was passiert, wenn ein Kunde das Monster hervorbringt, das unter der Oberfläche eines verachteten Künstlers lauert, und warum es so ist toll .