10 Werke, die Ellen Thesleffs Kunst definiert haben

Im 21. Jahrhundert weitgehend vergessen, hatte Ellen Thesleff eine Karriere, die die letzten Jahrzehnte des 19. bis zur Mitte des 20. Jahrhunderts umfasste. Von ihrem Geburtsort, der Stadt Helsinki, über Paris und Florenz interagierte Ellen Thesleff mit vielen zeitgenössischen Bewegungen und schuf einzigartige Kunstwerke. Die großen Strömungen des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts, Symbolismus und Expressionismus, bestimmen ihr Werk. Sie löst sich vom Dogma der akademischen Kunst und experimentiert frei mit verschiedenen Formen und Techniken. In Anbetracht ihrer Verwendung von Farbe reicht Ellen Thesleffs Kunst von fast vollständig monochrom bis zu den lebendigen und hellen Werken ihrer späten Karriere.

1. Die Anfänge von Ellen Thesleff Mit t: Echo

Echo von Ellen Thesleff , 1891, über das Clark Institute of Art, Williamstown

Ellen Thesleff gab ihr Debüt und wurde mit dem Gemälde von der Kritik hoch gelobt Echo im Jahr 1891. Ellen malte es im Sommer und es wurde für die Ausstellung des Finnischen Künstlerverbandes angenommen. Die Show war sehr erfolgreich und war ihr Durchbruch als Künstlerin, und sie brachte ihr die Anerkennung, die sowohl sie als auch ihre Familie brauchten. Es zeigt eine junge Frau, die entweder morgens oder abends ruft. Thesleff hält die Farbtöne des Hemdes absichtlich einfach und betont und richtet unsere Augen auf den Kopf, umgeben von weichem, warmem Licht. Auch der Hintergrund bleibt unbekannt, mit einfachen Bäumen, was die Bedeutung des Aufrufs selbst verstärkt.

2. Verschieben nach innen: Thyra Elisabeth

Thyra Elisabeth von Ellen Thesleff , 1892, über die Finnische Nationalgalerie, Helsinki

Nach dem Umzug nach Paris 1891 kam Ellen Thesleffs Kunst in Kontakt mit einer vorherrschenden Bewegung der französischen Hauptstadt, dem Symbolismus. Thyra Elisabeth ist ein typisches Symbolistische Malerei basierend auf einem Foto von Ellens jüngerer Schwester aus dem Jahr 1892. Die weibliche Figur, ein beliebtes Motiv in symbolistischen Gemälden, wurde typischerweise durch Archetypen wie Engel, Madonna und Femme Fatale interpretiert.

Im Porträt ihrer Schwester schafft Thesleff einen Dialog zwischen Sakralem und Profanem, Unschuld und Sinnlichkeit. Im Gegensatz zu den erotisierten Interpretationen des weiblichen Körpers wird Thyras Lust indirekt durch ihren Gesichtsausdruck, ihr Haar und ihre linke Hand, die eine weiße Blume hält, angedeutet – ein ironisches Zeichen der Unschuld. Der Hintergrund ist mit einem goldgelben Ton bemalt, der einen kaum wahrnehmbaren Heiligenschein um ihren Kopf bildet.

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Diese verträumte Erscheinung der Frau erinnert mich Geschlossene Augen von Odilon Redon . In der symbolistischen Kunst weist das Motiv geschlossener Augen auf die Sorge um einen Bereich hin, der mit dem physischen Auge nicht wahrgenommen werden kann. Dieses Gemälde, das 1892 im finnischen Herbstsalon gemalt und ausgestellt wurde, signalisierte eine Verschiebung hin zur Darstellung der inneren Realität in ihrer Arbeit.

3. Eine Vision des Inneren: Selbstportrait

Selbstportrait von Ellen Thesleff , 1894-1895, über die Finnische Nationalgalerie, Helsinki

Die Kunst und Philosophie von Ellen Thesleff kann nicht vollständig verwirklicht werden, ohne sie zu erwähnen Selbstportrait , ein Kunstwerk, das bereits in den 1890er Jahren hoch gelobt wurde und mittlerweile als Meisterwerk der finnischen Kunst gilt. Hergestellt mit Bleistift und Sepia-Tinte, Thesleff’s Selbstportrait verkörpert die Haltung der Innerlichkeit und den Wunsch, in den Kern des eigenen Wesens einzutauchen.

Dieses kleinformatige Kunstwerk mit intimer Qualität zeigt ein blasses Gesicht, das aus der Dunkelheit des Hintergrunds hervortritt. Die Augen sind offen und auf den Betrachter gerichtet, aber es ist unmöglich, ihrem Blick zu begegnen. Thesleffs Selbstbild stellt das Subjekt in voller Frontalansicht dar, die oft als die kommunikativste Darstellungsweise angesehen wird. Auf diese Weise verwickelt das Sujet den Betrachter in einen Austausch.

Im Gegensatz zu üblichen Frontalporträts scheint Thesleffs Selbstporträt kein kommunikatives Bild zu sein, sondern sich nach innen zu wenden. Es ist jedoch nicht vollständig geschlossen. Es hat eine selbstreflexive Qualität, die sich auf den kreativen Prozess bezieht. Es ist ein Prozess der Selbsterforschung. Die Künstlerin hat in den Spiegel geschaut, um sich selbst zu sehen, aber anstatt bei der bloßen Erscheinung stehenzubleiben, ist sie tief in das Reich der Subjektivität vorgedrungen.

4. Leben auf dem Land: Landschaft

Landschaft von Ellen Thesleff , 1910, über die Finnische Nationalgalerie, Helsinki

Ellen Thesleffs Kunst ist voller Szenen des ländlichen und bäuerlichen Lebens in Finnland. Sommer im Dorf verbracht Murole gab ihr viele Möglichkeiten, durch Wälder, Felder und Wiesen zu streifen. Sie erbte die Impressionistischer Drang, Inspiration zu finden, indem man sich mit der Natur verbindet . Thesleff nahm oft ihr Ruderboot und fuhr nach Kissasaari, einer kleinen Insel mitten im See, wo sie früher arbeitete Im Freien .

Die intensive Lichtbehandlung ist weit entfernt vom Licht Nordeuropas und erinnert eher an die Mittelmeersonne. Dies Landschaft ist eines der Werke in Ellen Thesleffs Kunst, das eine Bewegung hin zu einem Mehr zeigt expressionistisch Verwendung von Farbe. In Finnland erntete sie Bewunderung für ihren mutigen avantgardistischen Malstil. Finnische Kunstkritiker verbanden sie mit einem kontinentalen Einfluss. In Frankreich wurde ihre Kunst mit Matisse und verglichen Gaugin , während die Deutschen eine Ähnlichkeit mit feststellten Kandinsky und den Künstlerkreis um ihn herum.

5. Florenz, ein neues Modell und Poesie

Das Rote von Ellen Thesleff , 1910-1919, über die Finnische Nationalgalerie, Helsinki

Thesleff bleibt drin Florenz aus den frühen 1900er Jahren fiel mit einer neuen stilistischen Abkehr vom Symbolismus zusammen. Ihre Malerei zeigt die Verwendung von lebendigen Farben, dicken Farbschichten und einer kraftvollen Behandlung der Form. In Florenz erlebte Ellen hautnah die Kunst der Meister der Frührenaissance wie Botticelli und Fra Angelico. Die Kunst alter Meister inspirierte sie dazu, mit sanfteren Tönen wie Rosa und Grau zu experimentieren.

In den frühen 1910er Jahren fand Thesleff in Florenz ein neues Lieblingsmodell, eine Rothaarige namens Natalina, die zum Gegenstand ihrer zahlreichen Skizzen, Holzschnitte und mindestens eines Gemäldes wurde. Das Rote ist jedoch weit entfernt von einem gewöhnlichen Porträt. Natalina ermöglichte Thesleff, in den Spiegel ihrer eigenen künstlerischen Identität und kreativen Philosophie zu blicken. In einem Brief an ihre Schwester Thyra beschreibt Ellen ihr neues Modell:

Die kastanienbraune Natalina sitzt in einem Sonnenteich – sie hat einen Schwanenhals und niedergeschlagene Augen – ich male auf Karton und bin von ihr unermesslich fasziniert, aber sie hat nur sonntags frei.
(16. Dezember 1912)

6. Bewegung & Vitalismus in Ellen Thesleffs Kunst: Forte dei Marmi

Ballspiel (Forte dei Marmi) von Ellen Thesleff , 1909, über die Finnische Nationalgalerie in Helsinki

Ein weiterer wichtiger Aspekt von Ellen Thesleffs Kunst ist Vitalismus und Bewegung. Während ihrer Aufenthalte in Italien besuchte sie oft den Kurort Forte dei Marmi in der Nähe von Florenz. Gemälde aus dieser kleinen Stadt zeigen Menschen beim Spielen. Darin studiert Ellen Figuren in Bewegung und beobachtet sorgfältig, wie sie mit ihrer Umgebung interagieren. Sie konzentrierte sich auf den körperlichen Kontrast.

Immer wenn sich der Körper schnell in eine Richtung bewegt, folgt darauf eine Folge von Gegenbewegungen, um das Gleichgewicht wiederzuerlangen. Diese Gegenbewegungen sind mit dem Kontrapost verwandt, der klassischen Pose der Antike Griechische Skulpturen und wiedergefunden in Renaissance-Kunst . Thesleff wendet das gleiche Prinzip an, um dynamische Spannung zu vermitteln, wenn eine Figur Schwung zum Gehen oder Laufen aufnimmt. Dieser harmonische Rhythmus der menschlichen Figur ist das entscheidende Element des Gemäldes Ballspiel (Forte dei Marmi) , entstanden im Jahr 1909, sowie weitere in der Kurstadt entstandene Gemälde.

7. Gordon Craig & Holzschnitte: Posaune Engel

Posaune Engel von Ellen Thesleff , 1926, über Gösta Serlachius Fine Arts Foundation, Mantta

Freundschaft mit dem englischen Modernisten und Theaterreformer Gordon Craig hatte einen erheblichen Einfluss auf die Kunst von Ellen Thesleff. Craig inspirierte sie zu kleinen Schwarz-Weiß-Holzschnitten und entwickelte später eine farbenfrohe, malerische Holzschnitttechnik, die zu einer der wichtigsten Ausdrucksformen ihrer Karriere wurde. Einige ihrer Holzschnitte sind ungewöhnlich malerisch, und ihre Holzschnitte und Holzschnitte können als Variationen eines Themas angesehen werden, die alle auf unterschiedliche Weise koloriert sind.

Die Bedeutung von Holzschnitten für Thesleff übersetzt sich in Gemälde wie Hafen von Helsinki . Die dünnen vertikalen gebrochenen Pinselstriche sehen aus, als wären sie in einen Holzblock geschnitzt, mit Tinte gefüllt und wie eine Grafik gedruckt worden. 1926 fertigte Ellen dieses ungewöhnliche Kunstwerk an, das vermutlich einen im Buch der Offenbarung beschriebenen Engel darstellt. Dieser Holzschnitt basiert auf einer freien Skizze auf später mit dem Messer geschnittenem Birkenfurnier. Farbenfrohe Holzschnitte wie dieser heben Thesleff von den finnischen Künstlern ab, die hauptsächlich monochrome Drucke herstellen.

8. Musik in Ellen Thesleffs Kunst: Chopins Walzer

Chopins Walzer von Ellen Thesleff , 1930er, über die Finnische Nationalgalerie, Helsinki

Musik spielte eine große Rolle in Thesleffs Leben. Alle Kinder im Thesleff-Haushalt spielten Musikinstrumente. Ellen spielte Gitarre und sang gerne, wobei sie die Musik von Beethoven bevorzugte, Wagner , Chopin, Mozart, Mendelssohn, Schubert und finnische Volkslieder. Natürlich fand die Liebe zur Musik Eingang in Ellen Thesleffs Kunst. Thesleff produzierte ihre ersten Versionen von Chopins Walzer als Holzschnitte in den 1930er Jahren.

Die schwerelose Erscheinung des schlanken Mädchens, die sich anmutig im Rhythmus von Chopins Musik bewegt, wurde von dem modernen Tanzstil beeinflusst, der von wegbereitet wurde Isadora Duncan . Thesleff war mit Duncans Arbeit vertraut und hatte sie mehrfach in München und Paris auftreten sehen. Isadora Duncans Einfluss auf Ellen Thesleffs Kunst kam möglicherweise auch von Gordon Craig, dem ehemaligen Partner der Tänzerin. In der symbolistischen Kunst, deren Einfluss sich in einigen von Ellens späteren Werken zeigt, stellt der Tanz eine besondere Ausdrucksform dar, in der dem Tänzer ein Gefühl der Transzendenz vermittelt wird.

9. Der Fährmann: Erntemaschinen in einem Boot

Erntemaschinen in einem Boot II von Ellen Thesleff , 1924, über Gösta Serlachius Fine Arts Foundation, Mantta

In Ellen Thesleffs Kunst finden wir den Fährmann als wiederkehrendes Thema. Die Figur erscheint typischerweise in den Szenen, in denen Bauern dargestellt werden, die mit dem Boot nach Hause zurückkehren. Dieses Thema wird normalerweise mit Tod und Verlust in Verbindung gebracht. In der Kultur des antiken Griechenlands und später in der europäischen Kunst verkörpert der Bootsmann den Tod. In der griechischen Mythologie, Charon ist der Fährmann, der die Seelen der kürzlich Verstorbenen über den Fluss ins Jenseits trägt . Die finnische Mythologie kennt das Motiv des Todesflusses, in dem ein Fährmann ebenfalls Seelen in die Welt der Toten trägt. Im Erntemaschinen in einem Boot II aus dem Jahr 1924 sehen wir eine typische Szene aus dem Leben finnischer Erntearbeiter, die von einem alten Thema durchdrungen ist, das sie universell macht.

10. In die Abstraktion gehen: Ikarus

Ikarus von Ellen Thesleff , 1940-1949, über die Finnische Nationalgalerie, Helsinki

Obwohl in ihren Siebzigern, war Ellen weiterhin kreativ aktiv und nahm einen wichtigen Platz in den finnischen Künstlerkreisen ein. In ihren späteren Jahren zeigt Ellen Thesleffs Kunst einen radikal neuen ungegenständlichen Stil, fast rein abstrakt. Thesleff war mit der abstrakten Kunst seit ihren Anfängen vertraut. Im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts kam sie mit den Werken von Wassili Kandinsky in Kontakt. Seine Werke lenkten ihre Aufmerksamkeit auf die Farbmalerei. Die Ausdruckskraft der Farbe war mehr als genug, um die Emotion und Bedeutung der Arbeit zu transportieren und auf den Betrachter zu projizieren.

Themen der antiken griechischen Mythologie blieben ihr ganzes Leben lang als Gelegenheit, mit verschiedenen Techniken und Formen zu experimentieren. Dabei schuf Thesleff einzigartige Darstellungen antiker Themen europäischer Kunst. In diesem Gemälde, einem bereits bekannten Thema, Ikarus , ein Jugendlicher, der in seiner Arroganz zu nah an die Sonne geflogen ist, kommt hinter ihrem Experimentieren mit Farbe an zweiter Stelle.